Peliculas

Bob Dylan es un músico, cantante y poeta estadounidense, cuyo verdadero nombre es Robert Allen Zimmermann. Nació en Duluth (Minnesota) en 1941. A los 16 años había formado su primera banda, Golden Chords.

A principios de la década de 1960 se traslada a Minneapolis, donde empieza a actuar en público con su nuevo nombre, Bob Dylan, adoptado en homenaje al poeta galés Dylan Thomas. Al año siguiente se traslada a Nueva York y, empujado por sus querencias bohemias, frecuenta el Greenwich Village, donde trabará relación con diversos artistas del mundo del folk y del blues. Siguiendo el estímulo de éstos, comienza a cantar en algunos programas en directo. En 1962 graba su primer disco.

La grabación del tema "Like A Rolling Stone", en 1965, le confirma como una figura consagrada a escala internacional. Sus temas escalan las listas comerciales de Estados Unidos y del Reino Unido, y poco a poco del resto del mundo.

Desde entonces, Bob Dylan es un músico y poeta de referencia para otros artistas. Ha publicado numerosos discos y libros, ha participado en diversas películas y colaborado en los principales eventos artísticos y musicales durante cuatro décadas.
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Jimi Hendrix fue un cantante y compositor estadounidense, considerado como uno de los mejores guitarristas de la historia del rock. Nació en Seattle, Washington, en 1942 y su verdadero nombre era James Marshall Hendrix.

Comenzó en 1961 colaborando en diversos espectáculos de rhythm and blues. En 1966 marchó a Gran Bretaña para fundar la Jimi Hendrix Experience, trío del que también formaban parte Mitch Mitchell y Noel Redding. El grupo debutó en París en 1966 y realizó giras por numerosos clubes del continente europeo, así como de Gran Bretaña. Tuvieron un éxito inmediato y canciones como "Hey, Joe", "Purple Haze" y "The Wind Cries Mary" se situaron en los primeros puestos de las listas de éxitos británicas.

A su regreso a Estados Unidos, Hendrix actuó en el Festival Internacional de Música Pop de Monterey (1967), donde interpretó "Wild Thing". El largometraje Woodstock (1970) recoge su participación en el famoso festival de música de 1969.

Su estilo, con sugerentes giros melódicos, ritmos enérgicos y sonido amplificado, así como su costumbre de romper las guitarras que utilizaba en los conciertos, convirtieron sus actuaciones en espectáculos polémicos y enormemente populares. Su versión de "The Star Spangled Banner" (himno nacional estadounidense), en la que tocaba la guitarra con los dientes, se convirtió en una leyenda. Sus discos más vendidos incluyen Are You Experienced? (1967), Axis Bold As Love (1967) y Electric Ladyland (1968). Murió en Londres en la cumbre de su carrera, el año 1970 y está enterrado en su ciudad natal.

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Neil Young es un compositor, cantante y guitarrista canadiense, uno de los más destacados e independientes de la música rock. Su intervención fue primordial para el desarrollo de estilos como el country rock y el folk rock. Posteriormente se decantó hacia el punk rock y el hard rock, con lo que se convirtió en precursor del grunge de la década de 1990, estilo en el que se combinan melodías y armonías de la música folk con instrumentación del hard rock y la energía del punk rock.

En 1964 empezó a interesarse por la música folk y entabló relación con los cantantes canadienses Joni Mitchell y Stephen Stills. En 1966 Young y Stills formaron en Los Ángeles (EEUU) el grupo Buffalo Springfield, conocido por la canción "For What It’s Worth", precursora del country rock. A pesar del éxito comercial, el grupo se separó en 1968 por problemas personales entre ambos.

En 1969 grabó su primer disco en solitario. En la misma época comenzó a trabajar con el grupo Crazy Horse, que en adelante se encargó de acompañarle en diversas épocas. Durante la década de 1970 continuó su carrera como solista, en la que se aprecia la influencia del estilo poético de Bob Dylan. En 1972 grabó Harvest, que fue uno de los discos más vendidos de ese año. Gracias a ello pudo producir en 1975 Tonight’s the Night y Zuma.

En 1983 grabó el disco titulado Trans, en el que su voz aparece distorsionada por procedimientos electrónicos. En 1989 realizó This Note’s For You, en el que utiliza el estilo del blues y del rhythm and blues. Posteriormente grabó Freedom (1989), Ragged Glory (1990), Harvest Moon (1992), que continúa la línea country de Harvest, y Unplugged (1993), en el que utiliza instrumentos acústicos. Al mismo tiempo se interesó por el violento sonido de la joven generación de músicos y ha realizado giras con los grupos Sonic Youth y Social Distorsion. En 1995 grabó Mirror Ball, disco en el que colaboró con Pearl Jam, uno de los grupos más populares del estilo grunge.

Neil Young sigue componiendo, ofreciendo conciertos y, sobre todo, influyendo en la música a través de los músicos. Su estilo independiente, experimental e innovador hace que se mantenga como referencia a través de los años.
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Bob Marley fue un cantante, guitarrista y compositor de reggae de origen jamaicano, cuyo verdadero nombre era Robert Nesta Marley.

Sus primeras canciones eran una mezcla de calipso y soul. A finales de la década de 1960 empezó a hacerse famoso como cantante de música reggae, mezcla de ritmos folclóricos jamaicanos, rock, rhythm and blues y soul. En 1967 renegó del cristianismo para abrazar la religión rastafari, un movimiento político religioso caribeño.

Con su música viajó por Europa, donde obtuvo un gran éxito en Inglaterra, Suecia, Países Bajos y Alemania. El disco Rastaman Vibrations (1976) y su gira por Estados Unidos le proporcionaron muchos admiradores entre el público estadounidense de reggae. Su éxito continuó con Exodus (1977), Babylon by Bus (1978), Kaya (1978), Uprising (1980) y reediciones de temas antiguos.

La temática de las canciones de Marley abarca desde el amor, pasando por la crítica social, hasta llamadas a la revolución. En 1981 falleció en Miami víctima de un cáncer.
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Beck Hansen, nacido en Los Angeles, California, en 1970, es un cantante y compositor influido desde pequeño por su padre, un músico de bluegrass callejero. Después de dejar la escuela a los 16 años se fue a Nueva York en 1986, pero volvió a Los Angeles y realizó sus primeras presentaciones en clubes como Raji’s y Jabberjaw.

Su música es considerada como una mezcla de las influencias de su infancia: hip-hop callejero, delta blues, himnos presbiterianos, punk con letras de scat. Su música empezó a estructurarse de la manera en que hoy es conocido con la salida de su primer single, MTV Makes Me Want to Smoke Crack. En 1992 salió al mercado Golden Feelings. En 1993 apareció "Loser", el cual fue muy bien considerado por la crítica y entró en las listas de venta de música pop.

Beck firmó con la compañía Geffen Records. Uno de los aspectos inusuales del contrato con Geffen Records es que Beck podía hacer otros trabajos para otras discográficas. En 1994 publicó tres álbumes. Mellow Gold fue el primero, el segundo se llamó Stereopathetic Soul Manure y apareció en la discográfica independiente de Los Angeles Flipside Records, y el tercer álbum fue una colaboración con Calvin Johnson de Beat Happening, llamado One Foot in the Grave que apareció en K Records.

En la primavera de 1996, Beck lanza uno de sus discos más importantes: Odelay, el cual contiene una gran diversidad de estilos, combinando en indie rock, el funk, blues y country. Odelay fue elegido Álbum del Año.

En 1998 Beck lanzó al mercado su siguiente álbum, Mutations, de ritmo lento y experimental. En 1999 regresó con Midnite Vultures, un álbum con un estilo rítmico similar a Odelay. Con este álbum producido por los Dust Brothers Beck logra entrar definitivamente en el mapa musical como uno de los cantantes más innovadores del momento.
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Eric Clapton es un guitarrista, compositor y cantante británico de rhythm and blues y rock, nacido en 1945 en Ripley, Surrey, Gran Bretaña. Desde muy joven manifestó un intenso interés por el blues y el rock. A los 15 años era ya un fanático de Chuck Berry y del cantante de rhythm and blues Muddy Waters. A los 17 compró su primera guitarra, que aprendió a tocar solo, y al año siguiente formó Roosters, su primera banda, que contaría con la presencia de Brian Jones, otro joven prodigio precoz que al cabo de poco tiempo sería pieza esencial de Rolling Stones.

En 1963 Clapton pasa a integrarse como primera guitarra en los Yardbirds y realiza una gira por Europa con el célebre bluesman Sony Boy Williamson. En 1965 Clapton pasará a integrarse con la banda de John Mayall, Bluesbreakers, con los que graba en 1966 el álbum Bluesbreakers, que la crítica exaltará como el más importante disco de rhythm and blues de todos los tiempos grabado en el Reino Unido, lo que supone la consagración de Clapton como primera figura. Su maestría fue exaltada hasta el punto de que Clapton is God ('Clapton es Dios'), fue un graffiti frecuente en las calles de Londres por aquellos años.

Clapton decide en 1966 adoptar una orientación claramente rock a su carrera, sin renunciar a sus raíces bluseras, y tras reunirse con Ginger Baker y Jack Bruce forma Cream, que con el correr de los años se convertirá en uno de los antecedentes más significativos del heavy metal: descargas atronadoras de sonido, melodías profundas, solos interminables fueron la esencia de sus trabajos, elementos con los que la banda logró ventas millonarias y largas giras de conciertos.

Para Clapton es evidente que se ha agotado una etapa, y vuelve a elaborar un nuevo proyecto, Blind Faith, que tendrá una vida efímera. En 1970 graba su primer álbum en solitario, al que seguirá Derek and the Dominos, que refleja uno de los puntos más altos de virtuosismo del guitarra británico. En 1971 graba, en homenaje a su amiga Patti (Layla) Boyd, uno de los trabajos más celebrados y emotivos de su carrera, el doble álbum Layla and Other Assorted Love, y acto seguido graba nuevos elepés en solitario.

Su actividad como compositor es continua, pues llega a grabar del orden de un álbum por año, sin contar sus colaboraciones con artistas como Pete Townsend, de The Who, George Harrison, de The Beatles o B. B King.

Héroe del rock, figura mítica y muy respetada, la trayectoria de 'Mano lenta' Clapton ha registrado un progresivo desplazamiento hacia la comercialidad. En 1993 obtuvo seis premios Grammy, a raíz del impacto conseguido por su álbum Unplugged (considerado mejor disco de ese año), que incluía el tema 'Tears in Heaven', compuesto en memoria de su hijo Conor, fallecido en trágicas circunstancias a los cuatro años.
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Van Morrison es un músico y cantante de rock de origen norirlandés, cuyo nombre completo es George Ivan Morrison. Su música es una combinación del folclore celta, el gospel, el rock, el country, el soul y el jazz.

Van Morrison nació el 31 de agosto de 1945 en Belfast, hijo de una cantante de jazz. A los 15 años abandonó la escuela para unirse como saxofonista al entonces popular grupo de rhythm and blues The Monarchs, con quienes marchó de gira por Alemania. A su vuelta en 1963 se unió a The Gamblers, que más tarde cambiarían su nombre por el de Them. Con temas como "Mystic Eyes", "Gloria" e "It´s All Over Now Baby Blue", el grupo consiguió algunos éxitos en Gran Bretaña.

En 1967, Van Morrison se separó de Them y comenzó su carrera como solista. Se trasladó a vivir a Estados Unidos, donde residió hasta 1973, y se perfiló rápidamente como uno de los cantautores de mayor talento de la música popular. En 1976 participó en el concierto de despedida del grupo The Band, acontecimiento que el director estadounidense Martin Scorsese inmortalizó en la película llamada El último vals.

Sus discos han sido considerados por la crítica como piezas clave de la música rock y pop. Entre sus discos más importantes se encuentran Astral Weeks (1968), Moondance (1970), Saint Dominic´s Preview (1972), Wavelength (1978) y Irish Heartbeat (1988), grabado junto con el grupo de música tradicional irlandesa The Chieftains.

En 1994 apareció su álbum en vivo A Night in San Francisco. Un año más tarde vieron la luz dos nuevos elepés: uno de ellos reproducido en estudio y titulado Days Like This, y el otro grabado en directo en el mítico club londinense Ronnie Scott´s, con la colaboración de sus amigos Georgie Fame y Pee Wee Ellis, entre otros, de nombre How Long Has This Been Going On.

Van Morrison ha sido reconocido como una de las figuras indiscutibles del panorama musical internacional, por encima de las modas y del propio mercado discográfico.
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The Beatles fue un grupo musical británico de la década de 1960 que revolucionó la música rock y pop. Estaba formado por cuatro jóvenes de Liverpool: John Lennon, como guitarra rítmica; Richard Starkey, más conocido con el nombre de Ringo Starr, como batería; Paul McCartney, como bajista; y George Harrison, como guitarra solista.

El grupo fue creado a finales de la década de 1950 por Lennon, con el nombre de The Quarrymen, al que posteriormente ingresaron Paul McCartney y, a instancias de este último, George Harrison. El puesto de batería constituyó siempre una fuente de problemas hasta que recayó definitivamente en Ringo Starr en octubre de 1962, en vísperas de la primera sesión de grabación del grupo.

Sus primeras grabaciones consistieron fundamentalmente en el repertorio que tocaban en directo, esto es, rhythm and blues y rock and roll. Pero a su vez empezaron a componer sus propias canciones, en las que destacaba la parte vocal. La fama del grupo creció y rebasó las fronteras de su región natal para alcanzar en el año 1963 dimensiones nacionales, dando origen al fenómeno conocido como beatlemanía, que en 1964 alcanzó de forma espectacular a Estados Unidos con ocasión de la primera gira que hicieron por ese país.

Entre 1964 y 1966 compaginaron giras por casi todo el mundo con sesiones de grabación en las que la música resultaba cada vez más compleja con la utilización de nuevos instrumentos e innovadores métodos de grabación. Ejemplo de ello es la utilización de un doble cuarteto de cuerda en el tema "Eleanor Rigby" como única instrumentación. Además, su estilo era ya difícil de encasillar, puesto que incluía rock and roll puro, soul, jazz electrónico, blues o música india.

En agosto de 1966 pusieron fin a sus conciertos ante la imposibilidad de plasmar en un escenario su música. Resultado de esta experimentación fue la publicación en junio de 1967 de su famoso disco Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, en el que The Beatles culminaron todas sus experimentaciones, tanto con instrumentos como con sistemas de grabación.

En 1967 protagonizaron Magical Mistery Tour, una película para televisión, que constituyó el primer fracaso de crítica.

En enero de 1969 grabaron, mientras eran filmados en el estudio, lo que se convertiría en el Lp titulado Let It Be que pretendía recoger sus primeras canciones en directo, es decir, sin emplear los recursos del estudio de grabación. Sin embargo, las diferencias personales y musicales se hicieron patentes y las grabaciones no saldrían a la luz hasta abril de 1970.

En verano de 1969 regresaron a los estudios para realizar las que serían sus últimas grabaciones, el Lp titulado Abbey Road, que para muchos constituye la mejor obra del grupo a pesar de la animosidad existente entre sus miembros. En abril de 1971 Paul McCartney llevó a sus compañeros a los tribunales para disolver legalmente el grupo.
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The Rolling Stones es un grupo de música rock británico que rivalizó en popularidad con sus contemporáneos The Beatles. En 1962 Mick Jagger, Keith Richards, Brian Jones, William Wyman (que dejó el grupo a finales de 1992) y Charles Robert Watts formaron el grupo. Mick Taylor sustituyó a Jones desde 1969 hasta 1975, fecha en la que Ron Wood ocupó su lugar.

El sonido rock duro y ronco, influido por el rhythm and blues estadounidense, y su actitud irreverente les proporcionó gran número de seguidores en todo el mundo. Han pasado a la historia del rock por otras muchas canciones propias compuestas en su mayoría por el cantante Mick Jagger y el guitarrista Keith Richards.

En sus comienzos fue muy importante la labor del también guitarrista y cantante Brian Jones, que falleció en julio de 1969. Junto al bajista Wyman y el batería Watts consiguieron los mayores éxitos que una banda de rock haya logrado jamás, con canciones como "Satisfaction", "Paint It Black", "Let’s Spend the Night Together", "As Tears Go By" o "Ruby Tuesday". La muerte de Brian Jones en extrañas circunstancias no impidió, sin embargo, que el grupo siguiera grabando buenos discos y realizando giras con gran éxito.

El guitarrista Mick Taylor entró a formar parte de la banda y tocó en discos como Sticky Fingers (1971) o Exile on Main Street (1972). Pero en el año 1975 decidieron reemplazar a Mick Taylor por Ron Wood, que había tocado con The Faces, el grupo en el que despuntó el cantante Rod Stewart. Desde entonces, Wood ha formado parte de The Rolling Stones, reforzando el sonido de la guitarra, sobre todo en las actuaciones en directo.

En el mes de enero de 1993 se vieron sorprendidos por la decisión de Wyman de dejar el grupo. A sus 55 años, declaraba en Londres que no estaba a gusto con las giras ni con la línea musical de la banda. Todos lamentaron su pérdida, pero la formación seguía adelante contratando a músicos para las grabaciones y las giras, como habían hecho anteriormente. Todos los miembros, empezando por Mick Jagger y continuando por Keith Richards, Ron Wood y Charlie Watts, habían editado discos en solitario o con otras bandas, pero siempre habían regresado a The Rolling Stones cuando Mick Jagger y Keith Richard, principales compositores y guías de la banda, decidían grabar un nuevo disco y realizar una gira mundial. Sin embargo, esta vez la decisión de Wyman era definitiva.

En agosto de 1997 el grupo volvía con el anuncio de un nuevo disco, Bridges to Babylon (el primero grabado en estudio desde hacía tres años), y una gira mundial, que empezaría el 23 de septiembre en Chicago. Mick, Keith, Charlie y Ronnie habían grabado el álbum en Los Ángeles.

Entre sus álbumes más significativos, además de los ya mencionados, se encuentran Out of Our Heads (1965), Beggars Banquet (1968), Let It Bleed (1969), Exile on Main Street (1972), Some Girls (1978) y Undercover (1983).

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El grupo Pink Floyd nació en Cambridge, como la evolución de un pequeño grupo de aficionados a la música, 'Arquitectural Abdams', que debían su nombre al hecho de que la mayoría de sus miembros estudiaba arquitectura en la Universidad Politécnica de Londres.

Pink Floyd se caracteriza por adaptar la música psicodélica de finales de la década de 1960 al género conceptual y progresista de la década siguiente. El grupo fue creado en Londres por Roger Waters (bajo), Richard Wright (teclado) y Nick Mason (percusión). Más tarde se sumó al grupo el compositor y guitarrista Roger Syd Barrett.

El grupo mantuvo una presencia constante en la escena musical más avanzada de Londres. Sus primeras grabaciones como 'Arnold Layne' y 'See Emily Play' impresionaron al público por su extraños cambios de acordes y su temática psicodélica. Pero Barrett se fue convirtiendo en una figura inestable y solitaria y en 1968 fue sustituido por el guitarrista David Gilmour.

Pink Floyd destacó a partir de ese momento por sus ambiciosas puestas en escena que incorporaban las últimas técnicas de iluminación y sofisticados sistemas para retransmitir su complejo sonido. En su álbum más popular, Dark Side of the Moon publicado en 1973, incluyeron vibraciones y zumbidos electrónicos, extensos pasajes instrumentales y poemas sobre las tensiones de la vida moderna que pueden llevar al hombre a la locura. Este álbum tuvo un gran éxito y se mantuvo 15 años entre los 200 discos más vendidos del mundo.

En 1985 Waters abandonó el grupo, pero han seguido grabando y realizando giras. En 1994 publicaron el álbum The Division Bell.
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The Doors fue una banda de rock estadounidense vinculada al movimiento psicodélico de la década de 1960 y uno de los principales componentes de lo que se dio en llamar el rock ácido de California.

En 1965 Jim Morrison, futuro líder de la banda, conoció a Ray Manzarek, un músico muy influido por el blues de Chicago. Este encuentro se enriquecería al año siguiente con la incorporación de dos nuevos miembros procedentes del grupo The Psychedelic Rangers: John Densmore (batería) y Robby Krieger (guitarra). Ese mismo año debutaron con el nombre de The Doors en el London Fog Club de Sunset Boulevard, de Los Ángeles.

La salida del álbum The Doors resultó un revulsivo cuyas orientaciones pueden asimilarse no sólo por su concepción, que Morrison explicó en términos vinculados a la literatura de Antonin Artaud y su teatro de la crueldad, sino por adaptar canciones de Bertolt Brecht y Kurt Weill.

Strange Days, de 1967 y Waiting for the Sun, del 68 ahondan en la línea inaugural, con pasajes que alternan el desengaño, la violencia cotidiana y la sentimentalidad frustrada en un contexto opresivo que comprende desde la familia hasta la cultura en general. Y algunos temas reaparecen en la cúspide de las listas de éxitos. Paralelamente, la conducta de Morrison era constante fuente de escándalos y Ray Davies, el líder de The Kinks, presentaba una demanda acusando a The Doors de plagio por "Hello, I Love You", y los tribunales fallaron a su favor.

Pese al camino personal seguido por Morrison, la historia de The Doors se enriquece sin descanso. El mito parece reforzarse con cada golpe recibido, sobre todo entre los jóvenes: las letras que compone para los álbumes The Soft Parade (1969) y Morrison Hotel (1970) fortalecen el efecto innovador y corrosivo que provoca el trabajo conjunto de la banda. Y por otra parte, el proyecto iniciado en 1968 con Waiting for the Sun a través del poema "The Celebration of the Lizard King" se presentó completo en 1970 en el álbum Absolutely Live.

Será, con todo, en 1971 cuando The Doors completen su ciclo creativo, al editar L.A. Woman, cuyo éxito masivo exaspera la ya maltrecha capacidad de resistencia de Morrison que opta por abandonar el mundo del rock, contra la opinión de su amigo Manzarek, y establecerse en París, donde falleció en 1971 en extrañas circunstancias.

La leyenda de la banda, alimentada en parte por la trágica muerte de su líder, continua creciendo, en gran medida gracias a Manzarek, que rescató numeroso material de la banda y emprendió en diversas oportunidades la ilusión de reconstruir The Doors con un nuevo solista. La reedición de numerosas actuaciones en directo y el impacto de un álbum de grandes éxitos en 1980 actualizaron el carisma de Morrison y la música de sus compañeros.
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The Police es un grupo de rock británico formado en 1976 que surgió durante el movimiento de la new wave inglesa. Fundado por Gordon Matthew Sumner, que se hizo famoso con el nombre de Sting, el grupo estaba integrado por Stewart Copeland (batería), Andy Summers (guitarra), Henry Padovani (guitarra, que abandonaría la formación poco después) y el propio Sting (cantante y bajo).

La canción "Roxanne", grabada en 1978, obtuvo un éxito inmediato. Formaba parte del primer álbum del grupo, publicado ese mismo año, Outlandos d’Amour. Este disco provocó una auténtica conmoción en el mundo del rock, debido a su carácter innovador.

La música profundamente original de The Police combinaba un rock enérgico con ritmos reggae y melodías pop, además de una cierta influencia del jazz. Con la salida en 1979 de Reggatta de Blanc, su segundo álbum, la fama del grupo se hizo mundial y se convirtieron en clásicos del rock de la década de 1980.

La inspiración decayó un poco en los discos siguientes, Zenyatta Mondatta (1980) y Ghost in the Machine (1981), y el grupo se separó tras el éxito comercial de la canción "Every breath you take", que formaba parte del disco Synchronicity (1983).

Sting, cantante carismático y comprometido política y socialmente, prosiguió una brillante carrera en solitario y trabajó con algunos jazzmen como Branford Marsalis. También se dedicó al cine: intervino en la película Dune, de David Lynch.
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Nirvana fue un grupo de música rock y grunge estadounidense, constituido en torno al cantante, compositor y guitarrista Kurt Donald Cobain. Fue fundado en 1987 en Aberdeen (Washington) por Cobain y el bajo Krist Anthony Novoselic. Después de varios cambios, en 1990 cristalizó un trío estable con el batería David Grohl. Después de los primeros dos discos (Love Buzz, 1988 y Bleach, 1989), consiguió su mayor éxito en 1991 con el álbum Nevermind.

Nirvana se sitúa entre el punk y el grunge-rock. A pesar de su agresividad armónica y de un bajo arrollador, siempre ofreció una línea melódica pop de fácil consumo que es el origen del enorme éxito de Nevermind, álbum del que se vendieron más de un millón de ejemplares en los primeros meses. Su último álbum, In Utero, salió a la calle en 1993.

Todas las canciones de Nirvana fueron escritas por Cobain. Las letras oscilan entre el humor, la indignación y la depresión. El consumo creciente de drogas por parte de Cobain destruyó su relación con la cantante y actriz Courtney Love y, junto con una serie de depresiones, acabó llevándolo al suicidio. Su temprana muerte en 1994 desencadenó un auténtico culto y fomentó el nacimiento de una leyenda.

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Pearl Jam es un quinteto que procede de la ciudad estadounidense de Seattle, donde se fundó a principios de la década de 1990, al igual que los representantes más significativos del movimiento grunge, como Nirvana o Soundgarden. El nombre del grupo procede de una mermelada alucinógena elaborada con peyote que hacía la abuela del cantante, Eddie Vedder, componente de la banda desde 1990. Cuando Vedder contactó con los otros componentes de Pearl Jam, el nombre que usaban era el de un jugador de la NBA llamado Mookie Blaylock.

Después de una gira como teloneros del grupo Alice in Chains, grabaron su primer álbum, Ten en 1991. El disco subió hasta los primeros puestos de las listas en el primer año y más tarde a las de éxitos internacionales. Ya se empezaba a hablar del sonido grunge como opción alternativa al paisaje musical de la década anterior. Desde la primera gira europea en 1992 se consolidaron como grupo clave de la corriente principal del rock menos convencional.

Los dos siguientes trabajos publicados por el grupo, Vs. (1993) y Vitalogy (1994), diferían notablemente. El primero tenía un sonido más duro, incluso heavy, como llegaron a calificarlo algunos críticos, y, por el contrario, Vitalogy podía asociarse con lo más clásico del rock, recordando, por ejemplo, a Neil Young.

Precisamente, con este gran icono de la música independiente grabaron en 1995 Mirror Ball, un disco donde los músicos de Pearl Jam colaboraron con Young durante dos días para homenajear al cantante canadiense.

El material grabado por esta inquieta banda de Seattle incluye, además, la participación en bandas sonoras de películas (Pena de muerte, de Tim Robbins, en 1995), discos de denuncia social o política (Home Alive, 1996, y Tibetan Freedom Concert, 1997) o colaboraciones en solitario de algunos de sus miembros en tributos a otros artistas, como el disco homenaje a Jack Kerouac de 1997, donde Eddie Vedder participó en la lectura de textos del principal representante de la generación Beat. En esta línea, también merece la pena destacar Stone Free: A Tribute to Jimi Hendrix (1993), donde Jeff Ament y Mike McCready, bajista y guitarrista respectivamente, junto a Matt Cameron, de Soundgarden, grabaron la memorable canción de Hendrix "New Rising Sun".

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Red Hot Chili Peppers es un famooso grupo de rock estadounidense. Gracias a la interesante mezcla de elementos tomados de la música punk, del new wave, del funk, del rap y del heavy metal la banda se consolidó a principios de la década de 1990 como una de las principales formaciones independientes estadounidenses.

Fundada en 1983 en Los Ángeles por Anthony Kiedis (cantante), Hillel Slovak (guitarra), Cliff Martinez (bateria) y Michael "Flea" Balzary (bajo), la banda hizo su primera aparición en 1983. Gracias a los espectaculares montajes escénicos y a la explosiva mezcla de elementos procedentes de los más variados estilos, pronto se abrió paso en el mundo del rock de Los Ángeles.

La producción de su primer álbum Red Hot Chili Peppers (1984) y del sencillo "True Men Don't Kill Coyotes" fue realizada por el guitarrista Andrew Gill. Este primer LP recibió por parte de la crítica el mismo beneplácito que la obra siguiente, Freaky Styley (1985), producida por el célebre músico George Clinton, que con sus duras melodías de bajo, fuerte percusión y acordes distorsionados de guitarra representa un paso adelante en la evolución de Red Hot Chili Peppers. El tercer álbum, The Uplift Mofo Party Plan (1987), superó incluso el éxito de los dos anteriores. El disco Abbey Road (1988) hace referencia en su portada al conocido disco homónimo de The Beatles.

En 1988 el percusionista Cliff Martinez fue sustituido por Jack Irons. Hillel Slovak falleció el mes de junio de ese mismo año víctima de una sobredosis de heroína. Durante la década de 1990 su lugar fue ocupado por diferentes guitarristas, como John Frusciante y Dave Navarro.

El mayor éxito comercial de la banda llegó con Blood Sugar Sex Magik (1991), galardonado con varios discos de platino. Este álbum contiene los grandes éxitos "Give It Away" y "Under the Bridge". El disco One Hot Minute (1995) incluye el famoso tema "Aeroplane" y muestra a la banda en la cima de su carrera.
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R.E.M. es un grupo de música rock estadounidense, pionero del estilo denominado ‘alternativo’. La banda más estable de las dos últimas décadas del siglo XX, surge en 1980 en Athens, un pueblecito del estado de Georgia. En el momento de formarse el grupo, Buck trabajaba en una tienda de discos y Stipe, Mills y Berry estudiaban en la Universidad de Georgia. Los dos últimos eran ya músicos experimentados. R.E.M. hizo su primera aparición en una fiesta de cumpleaños y perfeccionó su característico sonido con actuaciones en bares y clubes de rock.

Las letras de R.E.M. son las siglas de rapid-eye-movement (en castellano, ‘movimiento rápido de ojos’, característico de la fase de sueño ligero), si bien, miembros del grupo han señalado que escogieron el nombre principalmente por no tener significado.

El aumento de su popularidad está íntimamente ligado al desarrollo de la música rock alternativa, estilo influido por la música punk de la década de 1970 y la música new wave. Su fama se fundamenta en la necesidad de crear música alejada de las grandes compañías discográficas y en la aparición de emisoras de radio independientes.

La música de R.E.M., compuesta por Buck, Berry y Mills, se caracteriza por los ritmos tensos, el sonido duro de la guitarra metálica y las armonías disonantes de la música country y folk.

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En 1990, Noel, Mike y Fergal, tres músicos irlandeses, estaban buscando vocalista para su banda. Dolores O'Riordan se enteró de que los integrantes del grupo buscaban a una vocalista que remplazara al cantante original, quien los había dejado. Acto seguido, Dolores fue a su casa y escribió una canción llamada "Linger", que mostró al día siguiente a la banda y con la que quedó fichada.

Posteriormente el nombre de la agrupación se redujo a The Cranberries. En junio de 1991 realizaron su primera gira por el Reino Unido como teloneros del grupo Moose. En julio la banda firmó contrato con Island Records en los Estados Unidos. En agosto realizaron su segunda gira por el Reino Unido, encabezando el elenco del tour Underworld de Londres. En octubre The Cranberries lanza en Inglaterra Uncertain, el material llamó poco la atención y la crítica fue desalentadora.

En septiembre de 1992 vio la luz el sencillo debut del grupo, Dreams. En marzo de 1993 sale al mercado el álbum Everybody Else is Doing It So Why Can´t We?. Un año después el disco vuelve a entrar en los charts, pero esta vez directamente al número uno, convirtiendo a The Cranberries en uno de los cinco artistas en lograr una segunda entrada en esa posición y logró ventas superiores a los 5 millones de copias alrededor del mundo.

En octubre de 1994 lanzaron mundialmente No Need To Argue, el cual vendió más de 12 millones de copias. A dos años de su lanzamiento aún se encontraba en el Top 10 de los discos más vendidos en varios países. Este disco fue el más vendido de Island Records en 1995. Desde entonces, los exidos se han ido sucediendo sin interrupción.
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Pretenders es el grupo británico de la cantante, guitarrista y compositora Chrissie Hynde. Original de Akron, Chrissie se fue a Inglaterra cuando contaba con apenas 20 años. El periodista británico de rock Nick Kent la ayudó a entrar en la plantilla de la revista New Musical Express, donde escribió hasta mediados de los 70". En 1978, Hynde forma The Pretenders, que se compuso en un primer momento de Honeyman-Scott, el bajista Pete Farndon, y el baterista Martín Chambers.

Un año después graban una versión del tema de Ray Davies "Stop Your Sobbing", producido por Nick Lowe. El single entra en el top 40 británico a comienzos de 1979. "Kid" y "Brass in Pocket", los siguientes dos singles del grupo, también consiguen buenas posiciones. Su álbum debut "Pretenders" se edita a comienzos de 1980 y se coloca en el número uno de las listas inglesas y en el top 10 de Estados Unidos.

En 1981 aparece "Pretenders II". Aunque el disco se coloca bien en las listas, repetiría las ideas musicales de su presentación. En junio de 1982, Pete Farndon es echado de la banda debido a su abuso con las drogas. Apenas dos días después, el 16 de junio, James Honeyman-Scott es encontrado muerto por sobredosis de heroína mezclada con cocaína. Embarazada, Hynde se aísla del mundo tras la muerte de Honeyman-Scott. En 1983, dos meses después de que Hynde diese a luz, Farndon muere también de sobredosis.

Hynde vuelve a crear a Pretenders a finales de 1983, con el guitarrista Robbie McIntosh y el bajista Malcolm Foster. Se edita el single "2000 Miles" y el LP "Learning to Crawl" a comienzos de 1984. Hynde crea otra nueva versión de Pretenders para el disco de 1986 "Get Close". Sólo McIntosh y ella misma permanecerían de la anterior formación, el resto de los instrumentos que aparecen en el álbum será grabado por músicos de estudio. Con este disco Pretenders se mueve hacia territorios más pop y llega al top 10 de las listas americanas en 1987.

En 1990 Pretenders edita "Packed!", un disco que fue un fracaso tanto en Inglaterra como en Estados Unidos. Tras unos años de relativa calma, Pretenders renace en 1994 con "Last of the Independents", disco que fue visto por gran parte de la crítica como la vuelta a sus raíces.

A finales de 1995, Pretenders edita "Isle Of View" para permanecer en el silencio durante varios años después. Finalmente Hynde vuelve a escena en 1999 con nuevo material bajo el título "¡Viva El Amor!", un álbum muy bien enfocado por Hynde y Martin Chambers, creando así su disco más consistente en mucho tiempo. El éxito del álbum les lleva a editar en 2001 un nuevo recopilatorio, "Greatest Hits", en el que se recogen sus mejores temas a lo largo y ancho de su extensa carrera musical.

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The Clash es un grupo de punk rock británico que se formó en Londres e hizo su debut en agosto de 1976 como telonero de The Sex Pistols en su gira The Anarchy Tour. El vocalista Joe Strummer tenía un estilo desgarrado que complementaba perfectamente las letras agresivas de las canciones. Mick Jones era un guitarrista algo más tranquilo y su forma de cantar más melódica. Paul Simonon, bajista de escasa formación, marcaba los trastes del instrumento con pegatinas de colores. El primer batería del grupo fue Terry Chimes.

Su primer disco The Clash (1977), ya destacaba lo que ellos llamaron "política social": movimiento urbano, sexo salvaje y fines de semana desenfrenados. El batería Nicky Headon se unió al grupo en su segundo disco Give ‘em Enough Rope (1978), que presentaba acordes de guitarra cortantes pero un sonido más relajado en general. Pero fue el doble álbum London Calling (1979) el que colocó a The Clash entre los grandes del género. Contenía distintos estilos de música, desde el reggae hasta el rockabilly o el soul.

La película Rude Boy (1980), dirigida por Jack Hazan y David Mingay, contaba una historia ficticia sobre lo que rodeaba algunos de sus conciertos. Sandinista! (1980) fue un triple álbum que no tuvo demasiado éxito, pero Combat Rock (1982) les lanzó a la fama en Estados Unidos y fueron teloneros del grupo The Who en una gira por ese país. Headon y Jones abandonaron el grupo un año después y, este último, formó en 1984 otra banda llamada Big Audio Dynamite. Strummer y Simonon continuaron y grabaron Cut The Crap (1985). La banda terminó por desintegrarse ese mismo año.

The Clash obtuvo un gran éxito posterior a su disolución con la canción perteneciente a Combat Rock "Should I Stay Or Should I Go?", que fue utilizada para un anuncio publicitario de pantalones vaqueros en 1991; el sencillo reeditado alcanzó el máximo puesto en las listas de éxitos. En 1999 el grupo se reunió para editar su primer disco en directo, From Here To Eternity.
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U2 es un grupo de rock irlandés, creado en 1976 por cuatro estudiantes de un instituto de Dublín: el vocalista Paul Hewson (Bono), el guitarrista David Evans (The Edge), el bajo Adam Clayton y el percusionista Larry Mullen.

En 1978, tras ganar un concurso escolar de talentos, comenzaron a tocar en clubes locales y en 1980 publicaron su primer álbum: Boy. Al año siguiente emprendieron una serie de giras que les dieron a conocer en otros países, y en 1981 grabaron October (1981). Su tercer álbum, War, apareció en 1983, con el que ampliaron su presencia en el mercado internacional.

Con la publicación de The Unforgettable Fire (1984), Under A Blood Red Sky (1985) y en especial The Joshua Tree (1987), U2 se convirtió en uno de los grupos de música rock más populares y admirados en todo mundo. Canciones como "Where the Streets Have No Name" y "I Still Haven't Found What I'm Looking For" tienen un estilo solemne e introspectivo realzado por la característica voz de Bono y el peculiar sonido de la guitarra de The Edge. Más tarde, el grupo adquirió notoriedad por su compromiso con las causas humanitarias, como el apoyo a las campañas internacionales en favor de los derechos humanos.

El álbum Rattle and Hum (1988), título asimismo de un documental sobre la banda, se caracteriza por la inclusión de temas de música folk y blues. Con Achtung Baby (1991) y Zooropa (1993), U2 se reinventó a sí mismo y alcanzó un gran éxito entre el público y la crítica. U2 ha obtenido numerosos premios Grammy a lo largo de su carrera.

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Proyecto Solista que nace en 1999. Es una continuación de “CANNIBAL AUTOPSY” y “MACROCOSM” entre otros grupos. Se basa en música extrema secuenciada, nacida de estilos extremos como “Grind – Noise – Core – Doom – Black – Death – Atmospheric – Cyber – Metal – Etnic”...Definido: “CYBER EXTREME EXPERIMENTAL ANCIENT ETNIC NOISE MUSIC”...Influenciado en bandas como: CARCASS, PATHOLOGIST, DAWN OF DREAMS, NAPALM DEATH, CATATONIA, VIBRION, VENUS FÍSICA, PANDEMIA, OXIPLEGATUS, MORTIIS, DEATH POEMS, EXTOL, ESCATOFAGIA, FORTUNATO RAMOS, HNOS. VILCA, DANIEL FUMEGA, ETC.

Las letras están dadas sobre todo en lo referente a la tecnología y la ambición desmedida del ser humano de hoy, que retoma los mismos errores de las civilizaciones decadentes del pasado. Caos mundial en los sistemas encumbrados por el orden del error demarcando la existencia humana, como un producto virtual y desechable, donde todos aquellos que estamos en sentido opuesto a la abominación humana, actuamos en reestablecer un nuevo orden que rescata todo aquello que “jamás murió”, “nuestros pueblos originarios”, “aquellos pueblos primitivos de los cuales muchos poseemos la sangre, o bien admiramos como las etnias del noroeste argentino, del sur, etc”...Denotar la evolución del humano, no la destrucción vil manipulada por los injustos.

La imagen es “Vampyr – Ritualist –Blooding”, la voz “Alaridos podridos que fermentan la realidad”.

La ejecución de los temas en vivo es a través de Cd’s ya que los temas son secuenciados con anterioridad, dando una atmósfera sonora pútrida y digital...Desde el 2001 hasta hoy toque en recitales junto a BRUTAL NOISE (Córdoba), MORTUORIA, PALORTO (Chacabuco, Bs. As.), SOCIAL SHIT, recitales en Jujuy y todo el Norte Extremo. Poseo demos en vivo en programas de radio, etc. Este material under se está difundiendo en todo medio y lugar posible...”Necrolatría” es la próxima producción de estudio.

NO RIP OFF’S!!! NO FALSE METAL!!! ANTI – POSERS!!!_______________
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Se forma a fines del ’98 con la idea de hacer música extrema y sin vueltas, todavía sin nombre la formación de la banda fue cambiando y así en 2000 nos establecemos con la formación actual, Crunch en voz, Kike en guitarra, Joe en bajo y Diego en batería. El nombre surge por la unión de unas palabras que estaban en un videojuego de la playstation, nuestro primer deporte...El significado del nombre literalmente significa asesinato sádico, y es lo  que intentamos que ocurra musicalmente cada vez que tocamos.

Nuestra música se puede encasillar dentro del Brutal Death o Grindcore, según quien nos escuche y nuestras influencias son variadas, pero principalmente Napalm Death, Cannibal Corpse, Suffocation.

Sadistic Killer in 15 Acts, viene a ser nuestro primer CD oficial, grabado en 8 canales y masterizado por nosotros en PC, además la gráfica fue diseñada por nosotros, utilizando unos dibujos del Crunch. La primer tirada solo fue de 100 copias por cuestiones económicas, priorizando así no tanto la venta sino la difusión, por ejemplo en los festivales donde tocamos intercambiamos material con otras bandas, así como le damos a los medios de difusión (radio, revistas, zines, e interesados en el género). Si bien hay gente que nos pide material por correo, todavía no enviamos nada pues estamos esperando hacer 200 copias más para difusión masiva.

Las historias de los temas están orientados a una temática gore, un tema que a muchos le causa repulsión pero que inconscientemente le gusta a la mayoría, algunas historias de amor canibalescas y de auto destrucción del humano en fin del interiormente podrido del ser humano. Las letras son todas en castellano salvo el tema Primal Rage (Odio primario) que son vociferaciones guturales graves medias y agudas alternadas indiscriminadamente. Si bien no queremos plantear ninguna ideología, no nos metemos con la política ni con los bosques del amazona y aunque así lo quisiéramos nadie nos entendería nada en un show en vivo.

Actualmente acabamos de grabar un adelanto de 6 temas de nuestro próximo CD, si bien el sonido no fue el óptimo, nos sirvió para pulir nuestras composiciones para el momento que entremos a estudio a grabar lo que será el definitivo 2º CD.

 

 

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La banda se formó a finales de 1998, en San Juan Argentina. Recibe influencias de bandas de Grindcore-death metal como Cannibal Corpse. Corporal Dissection se hace conocer por sus perturbantes letras, la violencia y velocidad de su música caracterizada por brutales riffs y rápidas secciones de batería, mientras su cantante ladra frenéticamente frase tras frase. Cuentan con títulos como "Choking with the knife in throat" (Asfixiándote con el cuchillo en tu garganta), "Fell the sawed blade" (Siente la hoja aserrada) que hablan por si solos de sus brutales y agresivos contenidos: La muerte en sus formas más horribles y dolorosas, salvajes carnicerías y violentas mutilaciones se alternan con fríos y cínicos asesinatos a través de afilados utensilios, el alto contenido gore de sus letras es solo comparable con la agresividad de su música. 

Corporal Dissection ha logrado gran cantidad de adeptos al género. Tocando junto a bandas como: Sadistic Kill, Brutal Noise, Absemia, Infeccion Cronica, Inhumation, Grandma, Krematorio, Septicemia, Dislepsia, Infernal Winter, Prosapia, Treno, In Extremis, Warriors, Winter Martirium, Broken Soul,   Anatemia, Necropolis, Ritus Calices, Equilibrium, Alocer (Brasil), Sarkuz (Chile), Twilight Glimmer (Colombia), Pandemia (De La Republica Checa) Entre otras. Se espera para este 2005 el lanzamiento de su producción.

Corporal Dissection es:

Ernesto Poblete (voz)

Gastón Montivero (bajo)

Javier Cortez (guitarra)

Horacio Rodríguez (guitarra)

Claudio Montivero (batería)

 

 

 

 

  Reaxion se formo, el año 2001, con los integrantes: Miguel en la viola, Pepe en la bata y Memo en el bajo, luego de cambiar tantos bajistas como era necesario hacerlo el año 2002 se acopló Oscar en el bajo quedando con esta conformación hasta ahora.

La base de la música que hace Reaxion es el metal en general, teniendo un criterio muy amplio musicalmente, sin encerrarse en algún género en particular, creemos que hay que tener la mente amplia para que las ideas fluyan, el estilo que hacemos lo definiríamos como Thrash-Core.

Las principales influencias de Reaxion son Fear Factory, Machine Head, Sepultura, Brujeria, Slayer.

Reaxion a compartido el escenario con bandas como: Choke(Brasil), Los Hijos Del Rigor, 448, Pirexia, Scoria, Gramma, Subterfugio, Blank Angel, P.Soler, M.Derus, Auschwitz, Lobothomy, 318, Supay, Farza Realidad, etc.....

 

 

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Por el año 1996, en la ciudad de Capital de Corrientes; Armando Marrone, Fernando Benitez y Luis Gomez comparten una necesidad en comun de formar, como todo adolescente, una banda que los llene de energia y complazca sus ideales, es asi que sin mirar atrás nace de sus manos IN ETREMIS, un proyecto hecho de a tres pero con un solo propósito que es el de contagiar las mismas energias con la cual ellos empezaron a cumplir su primer objetivo... sentirse vivo hasta los “Últimos Momentos de la Vida”,  este objetivo adopta el significado al latin de IN EXTREMIS. Pero realmente cobra vida un 17 de Mayo de 1997 cuando uniendo fuerzas y con una formación de cinco integrantes suben por primera vez a los tablones de su ciudad natal para dar a conocer su sueño hecho realidad.

Desde ese año hasta la actualidad IN EXTREMIS no ha parado un solo instante a pesar de los percances que sufrio la banda respecto a los incontables cambios de integrantes, sin embargo los tres pilares que sostienen a IN EXTREMIS permanecen firmes y con mas fuerzas que nunca, siempre con la mirada hacia delante e intactos a esta pasión.

ESTILO MUSICAL: Incontables son los estilos que marcaron el camino de la banda, pero actualmente IN EXTREMIS lleva en su musica un “METAL EXTREMO” lleno de fuerza y mucho profesionalismo.

LETRAS: Abarca un amplio contenido haciendo hincapié en el HOMBRE como principal protagonista refiriéndose a su evolucion y su entorno sociocultural aportando un concepto positivo y reflejando su existencia.

TRABAJOS REALIZADOS: Largo camino ha recorrido IN EXTREMIS y con mucho esfuerzos haciéndole frente a las condiciones económicas plasmó por su paso tres trabajos en formato demo siendo el primero en el año 1998 titulado “Ultimos Momentos de la Vida” con cinco temas, el segundo en el año 2001 con el nombre de “Demo 2001” este trabajo cuenta con dos temas y su tercera producción en el 2003 titulado “Implorando el Olvido” compuesto por dos temas, reflejando un sonido mas pulido y toda la experiencia absorbida que IN EXTREMIS adquirio en su larga trayectoria.

PRESENTACIONES: La banda logro hacer conocer su musica y sus trabajos en las provincias de: Corrientes (Capital, Goya); Chaco (Resistencia, Castelli en reiteradas oportunidades); Formosa (Capital); Misiones (Posadas, Jardín America en el marco del festival UNDER en tres oportunidades), Entre Rios (Parana); Santa Fe (Reconquista en dos ocasiones, una teloneando a Horcas).

Ademas compartio escenarios junto a bandas destacadas como ser: Horcas, Jerikó, Pablo Soler, Helker, Raíz, Tren Loco, Infección Crónica, El Dragón, Leviatán, Eternal Grave, Dislepsia, Sacrilegio, Alegory, Corporal Dissection,  entre otras.

En el 2005 In Extremis se presenta en la quinta edición del Brutal Fest compartiendo escenario con Funeral (Paraguay), reconocida banda a nivel Internacional, así también con Angkor (Bs. As), Infección Crónica (misiones), Treno (Santa Fe).

En Marzo, la banda se concentra en grabar lo que es su primer video clip del tema En lo mas Oscuro, corte de su ultimo demo.

Con tantos problemas y cambios que la banda supo lidiar hay uno que siempre se mantuvo vigente que transcendió desde el primer dia de vida es el de seguir llevando su musica a todos los rincones más incógnitos posibles ya que el unico objetivo de la banda es seguir con los pies firmes y llenos de energias para transitar por este preciado camino del metal el cual acrecienta y mantiene en lo alto el espiritu de IN EXTREMIS... hasta los “Ultimnos Momentos de la Vida!!!”.

 

Armando Marrone: Guitarra

Luis Gómez: Batería

Fernando Benítez: Voz

Carlos Canteros: Guitarra

Carlos Maidana: Bajo

 

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Arcángel, nace en mayo de 1995, conformado como trío, con Germán Philippens en guitarra y voz, Alejandro Vélez en bajo y coros y Gastón Philippens en batería, casi de inmediato, gracias a sus influencias, se definen en el estilo Heavy Metal .

 Luego de un tiempo, tras el alejamiento de Gastón, se da lugar al ingreso del actual baterista de Arcángel Germán "Ceja" Ramos. Esta banda a logrado transitar la crisis argentina de los últimos tiempos, tal es así que han tocado en ciudades como Rosario (Santa Fe ), Hurlingam, Capital Federal, Córdoba, San Juan, San Luis, Villa Mercedes, Santiago de Chile, etc y han recorrido la provincia de Mendoza, casi en su totalidad. A lo largo de la carrera de Arcángel (10 años), han sido elegidos para telonear a grandes grupos de la escena nacional por ej : Almafuerte, Rata Blanca, Malón, Horcas, A.N.I.M.A.L., O’Connor, Carajo, Simbiosis, La Renga, y también se los ha elegido para representar al movimiento metalero local en diversos festivales, contando con la presencia entre otros de León Gieco.

Actualmente Arcángel se encuentra trabajando en su próximo trabajo de estudio, que vera la luz durante este año

Discografía:

2001 - Disco - "Fuego Interno"

2003 - Disco - "Bien Vivo "

 

Arcangel es:

Germán Philippens: Guitarra y voz

Alejandro Vélez: Bajo y coros

Germán "Ceja" Ramos: Batería 

 

 

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La banda se origina a finales de 1999, cuando el baterista Gastón Patiño deja su banda, TRASGO (Ñu metal/ Hard core) e inicia la idea de volver a su viejo estilo (el Death metal), se pone en contacto con Leonardo Vega quien toco la guitarra junto a Gastón en el año 1994 donde practicaban un estilo Death metal influenciado por Morbid Angel y Obituary entre otras. Leonardo zapaba con Pablo Mamprin, bajista que provenía de Malaria, banda de Heavy metal influenciada por Iron Maiden. Gastón convoca a Facundo Gómez, que había cantado en Necronomicon y Serpent Die, ambas bandas de Thrash metal y que en ese entonces se encontraba cantando en dos bandas de Doom metal: Sadden y Cielo Oscuro, la idea principal era hacer Death Grind en el estilo de Brujería; ya formado el proyecto en febrero de 2000 se compone el primer tema un poco alejado de la propuesta inicial ya que contenía demasiados cambios.

Al poco tiempo de terminar el primer tema, en un ensayo la banda empieza a experimentar con otros estilos tan alejados del metal como el jazz, el funk, ritmos árabes, blues hasta folcklore y lo conjuga con el metal extremo.

Frente a este abanico que comenzaba a abrirse la banda busca un nombre acorde a la propuesta musical, es así que se decide ponerle ENFERMEDAD, al sonar tan común se preseleccionan 52 nombres siendo el mas votado NEQUICIA -sinónimo castellano de maldad, perversidad, malicia- y la banda autodenomina su estilo como SICK METAL (metal enfermo).

En junio de 2000 la banda hace su primera presentación en vivo causando una reacción de desconcierto entre la gente presente, indicando que el estilo era original; en ese mismo mes la banda graba un demo titulado PURA MALDAD conteniendo 7 temas propios y dos covers uno de BRUJERIA (Hechando Chingazos) y uno de DISCHARGE (Protest And Survive).

NEQUICIA comienza a presentar el demo en varias oportunidades con bandas de distintos estilos llegando a presentarlo en Cemento en febrero de 2001. En mayo de 2001 NEQUICIA se mete en un estudio, para dar forma a lo que seria su primer disco sin dejar de presentarse en vivo; también en este mes la banda organiza una fecha gratuita en la plaza de Lomas de Zamora, invitando a CARAJO, y convocando 700 personas, afianzando la propuesta ante esta audiencia, hecho que se repite dos meses después en el cine de Burzaco, nuevamente con CARAJO frente a una audiencia de 1000 personas. A finales del mismo año se para la grabación por la situación económica del país.

Durante el 2002 la banda se mantuvo activa, solo en lo que a presentaciones en vivo se refiere. En enero de 2003 se suma a la banda Nory Nagahama en 2° guitarra, añadiéndole un estilo y sonido de metal mas actual. Después de realizar la mezcla del material y no quedar conformes con la misma, en Abril del mismo año se aleja Pablo.

La banda se separa y en junio vuelve a agruparse, lanzando el material sin mezclar en formato de demo. Nory pasa a hacerse cargo del bajo momentáneamente hasta conseguir reemplazante, se presentan en 4 fechas y en agosto se hace del puesto vacante en el bajo Facundo Pose, que provenía de una banda punk extrema (Estado Terminal), adicionándole mas actitud al conjunto de influencias.

Con esta formación la banda toma fuerza y estrena la nueva alineación en el Z-ROCK Fest, recital que se hizo en Ezeiza en septiembre de 2003 junto a CARAJO, MINORIA ACTIVA, CADENA PERPETUA, OISIN, TIMMY'O'TOOL y otras, siendo NEQUICIA la única banda extrema y frente a 2500 personas.

La banda arranca el 2004, consolidando un sonido poderoso; se realizan varias fechas, siendo la mas importante como acto soporte de BRUJERIA en Agosto de este año. Luego de esta presentación Nory decide dejar la banda por problemas personales. En Octubre la banda realiza una fecha, siendo esta la ultima fecha del año y de Facundo Pose, quien abandona la banda en no muy buenos términos. El puesto vacante pasa a ser ocupado por José "Lagarto" Gonzáles, ex-Sanedrin, Sagrada Perversión.

El 2005 no empezó como la banda lo esperaba, ya que lo sucedido en Republica Cromañon impidió que la banda festejara sus 5 años, en la fecha que tenían programada. Esta misma pudo realizarse el 13 de febrero al aire libre, en forma gratuita frente a la estación Burzaco. El evento se repite en el mes de marzo, dando espacio también al lanzamiento del CD recopilatorio de los 5 años de la banda.

 

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PROVINCIA INVENCIBLE DE SANTA FE DE LA VERA CRUZ

 

Séptimo Sello se formo en Santa Fe Capital, a fines de agosto del año 2001; inicialmente con Cristian Tanke Ibalo en voz, Nicolás Robles Amadio en guitarra y Juan Ignacio Indio Acosta en Bajo. A finales de noviembre de ese año se incorpora Juan Manuel Escudero en batería, quedando consolidada así la primera formación de la banda. Por distintas razones, entre las que se destacan la terrible inundación que afecto de forma directa a Tanke y Juanma, la banda quedo literalmente ¨parada¨ durante el periodo que comprende desde Junio del 2002 hasta julio del 2003; en que retoman los ensayos. En noviembre de ese año Séptimo sello debuta en Santa Fe teniendo una aceptación increíble por parte del publico santafesino, que los acompaño en cada una de sus presentaciones tanto en santa fe como en las distintas localidades y provincias en que se han presentado. a finales del 2004 Juanma deja la banda por razones que se desconocen e ingresa en su lugar el experimentado baterista Jody Castellanos, quien integrara bandas como Grifor, In Articulo Mortis y Doble Filo. A raíz de esta nueva incorporación la banda se afianza aun mas, generando un sonido mas prolijo y conciso. Corsario Negro nace en Noviembre del 2000 y muy rápidamente irrumpe en la escena local con el simple "Cronología Eterna", grabado y mezclado entre los meses de Febrero y Marzo del 2001 en "Studio 34".  Encasillar el sonido de la banda es muy difícil ya que podemos encontrar en sus composiciones Thrash , Death y Heavy ¨

En el lapso de un año Séptimo se presento en 13 oportunidades, con una inmejorable recepción del publico que los escucho.

 

 

 

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  CYCO es una banda juninense que comenzó a formarse en el verano del 99/2000 con Mauro Patiño en guitarra y Diego Arce en batería. Unos meses más tarde se incorporan Mariano Puchetta en voz y Pablo Barreto en bajo. Conseguida esta formación CYCO empezó a realizar varios recitales en los que desplegaba un sonido potente y duro, Hard core no tradicional, o lo que la gente llamaba “funky poderoso”.

A comienzos de 2001 CYCO debe abandonar la sala de ensayo y el bajista se separa del grupo. En cuanto al espacio donde ensayar se acomodan y adaptan a un pequeño living y se incorpora Luciano Patiño en bajo y Diego pasa a la programación de bases y voces. El cambio sustancial que produjo la sustitución de la batería por la máquina de ritmos favoreció al grupo y le abrió todo un mundo en el cual experimentar, dándole la oportunidad de abarcar numerosos estilos en las composiciones. Un factor importante en este sentido son las variadas influencias de cada uno de los integrantes.

CYCO hacia fines de 2001 sonaba compacto y prolijo, y tras varios recitales y shows graba su primer CD “La sombra que llaman luz”: un disco con doce temas producidos independientemente, que reflejaban fielmente lo que CYCO quería expresar y decir. Aún con este disco editado la banda conservaba un perfil demasiado Under, entonces decide romper presentándose en lugares variados como fiestas de Hip-hop, campeonatos de artes marciales, fiestas privadas, pubs, encuentros de motos, recitales Heavy y en toda ocasión que se presentara. Esta fue una efectiva manera de salir de lo under y de ganar experiencia arriba del escenario.

Entre las presentaciones transcurrieron unos años y en 2004 los músicos de CYCO decidieron ponerse las pilas y meterse en un estudio de grabación logrando un excelente disco llamado “Salta la ficha” con cinco temas que demuestran que el tiempo logró unirlos aún más y afirmar su perfil musical.

CYCO buscando esa masividad que desea encuentra en Internet un espacio de poderosa difusión para su música. 

 

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La banda se forma a principios de 2004 con el objetivo de dar vida a composiciones creadas tiempo atrás por la dupla de Diego Mantuani en guitarra y Narwen en voz. Con el correr del tiempo EREGION se va consolidando y gana identidad propia en el sonido, el cual encuentra en la música clásica su mayor fuente de inspiración, sin dejar de lado la potencia de las guitarras distorsionadas y las bases compactas propias del metal.

En Enero de 2005 registran parte de su material en forma de demo en los estudios Arte Track de Buenos Aires, con la producción artística de J. J. Vanrell. A partir de Marzo de 2005 se consolida su formación definitiva, incorporando a la banda  (además de contar con Narwen en voz, Diego Mantuani en guitarra e Ignacio Balbuena en teclados),  a Sebastián Pérez en bajo y  a Cristian Méndez en batería.

 En Junio de 2005 regraban en “La Nave de Oseberg” el tema “After Midnight” y su versión en español  “Infierno en la Noche”, logrando una versión de mayor contundencia, mas acorde al sonido actual de la banda.  Del tema “After Midnight” filman su primer videoclip, en locaciones de Capital Federal y el Gran Buenos Aires. El mismo se encuentra en proceso de edición y se lo podrá ver a principios del mes de Agosto.

Actualmente se encuentran realizando recitales en distintas localidades de Gran Buenos Aires y Capital, y difundiendo su material tanto en Argentina (llegando a diversas localidades de todo el país) como en el exterior (Latinoamérica y Europa), recibiendo muy buenas críticas en todos los medios y cosechando cada vez más seguidores para la banda.

 

 

 

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  Roberto A. Fernández (voz-vocals)

Rogelio Moyano (bajo-bass)

Ariel Alonso (1era guitarra-guitar)

Jorge D. Pérez (2da guitarra-guitar)

Diego D. Cuello (batería-drums)

 

Mentor nace a fines de 1998 en la zona sur de Bs. As. Desde 1998 hasta 2000 realizo un gran número de actuaciones por toda la zona sur, compartiendo escenarios en varias ocasiones con bandas como: VISCERAL, O·CONNOR, LETHAL, IMPERIO etc.

Llegan a tocar en dos festivales realizados en cemento, junto a EL DRAGON.

Luego la banda sufre una separación a mediados del año 2000, causas de diferencias musicales.

Es en agosto del 2001 cuando Roberto (vos) decide volver a darle vida, completando la nueva formación con Rogelio “el Mudo” en el bajo, Ariel “Iggy” en primera viola, Jorge “loquillo” en segunda viola y Octavio “oreja” en batería. Con esta nueva formación salen al ruedo ( con un estilo que hace notar las influencias de bandas como V8, HORCAS Y VISCERAL), en mayo del 2002 salen a tocar por la Zona Sur y también en Capital Federal.

En octubre del 2003 tocan como teloneros de Horcas en el Club Defensores de Solano y en febrero del 2004 en cemento, también junto a Horca y el Dragón.

En julio del 2004 entra Diego (Bloky) el nuevo baterista, y esta es la formación que sigue tocando hasta el día de hoy, con la FUERZA y POTENCIA del  HEAVY METAL.

Actualmente MENTOR se encuentra grabando lo que va a ser su primer material

“CONDENADO” en el estudio VIRTUAL RECORDS, el cual consta de siete temas que mediante una intro espectral te sumergen al mas crudo METAL. 

 

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Vesánico se formó en junio de 2003. Integrada por Cesar Bini en guitarra, Juan Ramundo en bajo y Hugo Moreno en batería.Comienzan a ensayar y a hacer temas mientras buscaban un cantante. Al pasar el tiempo y no conseguir ninguno se decide hacer los temas sin partes vocales y graban sus primeros temas en mayo de 2004 en los estudios ABD Recs. Y mezclado en Chechar Recs.

Los temas son: "El Destierro", "Metamorbosis", "Difícil", "La Parodia de los Incas" y "Otro Día".

Si se habla de influencias podríamos citar a: Kyuss, Metallica, Queens of the Stone Age, Pink Floyd solo por nombrar algunas. Vesánico trata de abarcar todos los estilos posibles y no cerrarse a nada, todo dentro de lo posible.

Los temas salen en un Split difusión junto con P-Lones de Gualeguaychu. También se puede bajar en formato mp3 de la pagina web de la banda.

El debut en vivo se produce el 11 de septiembre de 2004 en el Indico Bar junto a Buffalo y Sauron en la primera fecha de "Sábados Negros".

El temas "Metamorbosis" es incluido en el compilado "Loco Gringos Have a Party" editado en Brasil por el sello Valvula discos y en Argentina por Días de Garage recs.

Actualmente se sigue haciendo temas para una futura grabación, que podria ser en febrero, y difundiendo el material del Split.

 

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Pronto llegó la presentación oficial en vivo como soporte de Quemar, que fué el puntapié inicial de lo que iba a ser Corsario Negro en adelante. Desde entonces no conoció el descanso, compartiendo el escenario con grandes bandas como Quemar en Córdoba y Bs.As., Horcas en Sta. Fé y varias veces en Córdoba, Malón en dos oportunidades, Almafuerte y Rata Blanca en varias ocasiones, Vorax en Córdoba y La Plata, Alakrán, Tren Loco, Cuero, saliendo inclusive en programas de televisión, radios y revistas locales.

En el 2002 sale a la venta su primer CD "Exceso", con ocho temas y muy buenas críticas desde el comienzo en radios y revistas especializadas de todo el país. Exceso recorrió casi todas las provincias, pasando también por Chile y Bolivia, con varias giras bajo el brazo que comprendían Tinogasta, Belén, Catamarca, Capital, La Rioja, Concordia Entre Ríos, Bs.As. Capital (Teatro Arlequines), La Colorada Pub en Caballito, La Plata, Rafael Sta. Fé. Por interior de Córdoba llegó a la Falda, Sta. María de Punilla, Cosquín, Carlos Paz, Villa Totoral, Villa María, Villa Giardino.

Para Corsario Negro el futuro seguirá siendo un desafío, enarbolando con orgullo el estandarte del Heavy Rock Tradicional, en una provincia como Córdoba que es conocida por géneros más populares no relacionadas para nada con el Rock. Quizás esa sea la razón por la que un grupo de amigos como Lukas en Voz, Marcelo en Batería, Gastón en Guitarras y Gonzalo en Bajo, no darán tregua en esta lucha por poner en lo más alto al Heavy Metal.

 

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Es una banda que hacen Heavy Metal y provienen de la zona Norte de la Provincia de Buenos Aires, originalmente solo hacían covers de Iron Maiden y Judas Priest, pero luego de un par de cambios de integrantes, la banda adoptó un sonido más personal y comenzaron a componer temas propios; poseen un demo de 8 temas y actualmente tienen un CD Promocional de 4 temas que van a ser parte de lo que será su primera producción independiente. La banda ya ha tocado en diversos recitales y festivales, además han compartido escenario con diversas bandas, entre las que se destacan Alegory, Adrián Subotovsky, Feanor y Zeldar. Actualmente la banda ha sufrido cambios en su alineación estando en la búsqueda de poder completar la misma.

 

Mark Knopfler OBE (nacido el 12 de agosto de 1949 en Glasgow, Escocia, Reino Unido) es guitarrista, cantante, escritor de canciones y anteriormente periodista y profesor.
Principalmente conocido como guitarrista y cantante de Dire Straits. También ha tocado en otras bandas (Notting Hillbillies, Brewer's Droop) y ha realizado proyectos en solitario. Además, ha compuesto música para varias películas, incluyendo Local Hero, Comfort and Joy, Cal, La princesa prometida,Last Exit To Brooklyn, La Cortina De Humo (Wag the dog), Metroland y A shot at glory y para otros cantantes como Tina Turner, Private Dancer. Actualmente lleva una carrera en solitario, con un estilo un tanto diferente al que creó con Dire Straits, basado en un estilo propio, mezcla de diversas fuentes como el blues, el rock y el folk, por ejemplo. En el año 2003 la revista Rolling Stone lo incluyó en la Lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos en el puesto 27.

Infancia

Nació en Glasgow, se mudó con su familia a Newcastle a mediados de los 50. Aprendió a tocar la guitarra cuando era un adolescente. En 1966, con tan sólo 16 años, debutó en televisión cantando la canción "Chilly Winds" con Sue Hercombe. Incluso llegó a grabar una maqueta llamada "Summer's Coming Our Way" (que no se conserva). Tras completar su educación de literatura inglesa, se trasladó a Leeds a comienzo de los 70. Trabajaba para los periódicos Yorkshire Evening Post y el Loughton College. En esta época es cuando conoció a Steve Phillips con el que entabló amistad y grabó varias canciones de country que no verían la luz hasta 1996 cuando Steve Phillips publicara el álbum "Just Pickin'" con una serie de canciones grabadas entre finales de los 60 y mediados de los 70 con distintos músicos. Steve y Mark volverían a encontrarse en sus carreras musicales con la formación del grupo Notting Hillbillies.

Mark se trasladó a Londres con su hermano, David Knopfler. Mark pasó a formar parte de un grupo llamado Brewer's Droop que había publicado ya un álbum "Opening Time". En 1973, grabaron su segundo álbum, "Booze Brothers", producido por Dave Edmunds de Rockpile. Sin emargo, por diversos problemas, el álbum no fue publicado hasta 1989. Durante la grabación, Mark conoció al batería del grupo, Pick Whiters.

Salto a la fama

Una vez disuelto el grupo "Brewer's Droop", Mark volvió a la rutina viviendo con su hermano. En 1977, durante una fiesta, Mark conoció a John Illsley, que tocaba el bajo. Fue entonces cuando decidieron formar un grupo: Mark, su hermano David, John y el antiguo batería de "Brewer's Broop", Pick Whiters. En un comienzo, el nombre de la banda fue "Cafe Racers". Interpretaban su repertorio (principalmente compuesto por Mark, aunque con canciones de David y versiones de otros músicos) en los pubs de Londres, como otras muchas bandas británicas del momento. Finalmente, fue Pick el que propuso cambiar el nombre a Dire Straits (que en inglés viene a significar "malos momentos") debido a la penosa situación económica que vivían en aquellos días.
En 1978, consiguen publicar su primer álbum, titulado simplemente Dire Straits. Generó el éxito "Sultans Of Swing". Tras ese álbum, continuaron publicando discos a medida que el personal de la banda iba cambiando. David y Mark se enfrentaron por el protagonismo que tenía este último dento de la banda. Durante los 80, la banda evolucionó musicalmente hacia una mayor complejidad mientas que se convertía en un conjunto de músicos más variado y más grande. En 1985, tan sólo John y Mark continuaban en la banda. Fue entonces cuando publicaron Brothers In Arms, un éxito sin precedentes que les lanzó definitivamente. Artistas de la talla de Sting y Eric Clapton colaboraron con la banda en ésta época.
Tras una etapa de silencio a finales de los 80, Dire Straits volvió comienzos de los 90 con el que sería su último álbum, con una clara influencia country. No consiguió las mismas ventas que "Brothers in Arms" y tuvo críticas polarizadas. Finalmente, en 1995 la banda se disolvió.

Proyectos paralelos

Ya en 1983, mientras tocaba con Dire Straits, Mark compuso la primera de una larga serie de bandas sonoras. En ella ("Local Hero") colaboraban gran parte de los músicos de Dire Straits. En 1984, durante la grabación de una de estas bandas sonoras, conoció a Guy Fletcher, teclista que pasaría a formar parte de Dire Straits y seguiría colaborando con Mark en su carrera en solitario y en otras bandas sonoras. En colaboración con Guy, Mark publicó en 1989 la banda sonora de la película Last Exit To Brooklyn; su trabajo más ambicioso como compositor en la que trabajaba con músicos de cuerda y emulaba sonidos de orqueta con sintetizadores. El estilo de Knopfler en sus bandas sonoras se acerca en general al sonido celta ("Local Hero", "Cal", "A Shot At Glory") aunque también se pueden encontrar ejemplos de otros estilos como el country ("La Cortina de Humo"). En 1993, se publico Screenplaying; una recopilación de los mejores temas de algunas de sus bandas sonoras.
En la etapa de silencio de Dire Straits a finales de los 80, Mark se encontraba saturado del esfuerzo que había supuesto la gira mundial del álbum "Brothers in Arms". Además, el estilo musical de la banda, le impedía publicar canciones más personales de estilos más minoritarios como el country o el blues. Por ello, en esos años en los que Dire Straits no publicaba nada, Mark aprovechó para publicar un disco con el guitarrista de country Chet Atkins en 1990 (más adelante, en el año 2006, volvería a publicar un álbum de country en colaboración con otro músico, la cantante Emmylou Harris). Además, formó un grupo de música paralelo a su vida como líder de Dire Straits con viejos amigos: Steve Phillips, Brendan Crocker y Guy Fletcher. La banda se llamó Notting Hillbillies. Tan sólo publicaron un álbum de estudio pero continuaron haciendo giras a lo largo de la década de los 90.

Carrera solista

A mediados de los 90, Mark se sentía cada vez menos libre como músico dentro de Dire Straits. Este sentimiento junto con el hecho de que el último álbum de la banda había tenido un recibimiento tibio, hicieron que Mark decidiera lanzar una carrera en solitario plena tras la disolución de Dire Straits. En 1996, Golden heart vio la luz. En él, encontramos una serie de canciones que continúan el estilo de los últimos álbums de Dire Straits; pero al mismo tiempo encontramos otras canciones impensables en un álbum de pop-rock al uso como Dire Straits solía publicar. En este álbum comenzó a tocar con una serie de colaboradores que serían denominados por el propio Knopfler como "The 96ers" (que viene a significar algo así como "los del 96") y con los que seguiría colaborando en adelante. Digno de mención es la colaboración de los intérpretes de música celta del grupo The Chieftains.
Alejándose progresivamente del estilo que había seguido en los 80, Knopfler publicó Sailing to Philadelphia en el año 2000; con un estilo principalmente de blues. En él colaboraban músicos como Van Morrison, James Taylor o el dúo de Squeeze. Más tarde, llegó The Ragpicker's Dream en 2002 con un estilo folk.
En 2003, Mark Knopfler sufrió un accidente de moto en Londres que le obligó a cancelar su gira mundial. A finales de 2004, publicó el álbum Shangri-La, grabado en el estudio Shangri-La en Malibu; donde grabaron grupos como The Band.
En 2006, Mark Knopfler junto a Emmylou Harris publican el album "All The Roadrunning", ofreciendo conciertos en Europa y America durante el año 2006.
El proximo día, más o menos, 10 de septiembre, tal como se afirma en la pagina web de Guy Fletcher, saldrá a la venta el nuevo disco de Mark Knopfler,"Kill to get crimson", en el cual se cuentan las colaboraciones del ex-Dire Straits, Chris White, en el saxo tenor. La lista de canciones de este nuevo album sería la siguiente:

1. True Love Will Never Fade
2. The Scaffolder’s Wife
3. The Fizzy And The Still
4. Heart Full Of Holes
5. We Can Get Wild
6. Secondary Waltz
7. Punish The Monkey
8. Let It All Go
9. Behind With The Rent
10. The Fish And The Bird
11. Madame Geneva’s
12. In The Sky

Mark Knopfler tiene dos hijos gemelos (Benji y Joseph, de su segundo matrimonio), y dos hijas, Isabella y Katya Ruby Rose (del actual); tiene un título en literatura inglesa de la universidad de Leeds, la universidad de Newcastle le ha concedido un título honorífico en música.

Música

Es zurdo, aunque diestro tocando la guitarra. Toca la guitarra utilizando sus dedos (finger-picking)en lugar de una púa (es decir, toca punteando y con la peculiaridad de producir un sonido limpio y propio), cuando los dedos se suelen utilizar con la guitarra clásica. Knopfler normalmente toca la guitarra eléctrica, por ejemplo la Fender Stratocaster, aunque a veces también lo hace con la acústica. Este estilo peculiar y poco practicado por los grandes guitarristas del rock, le hace caracteristico de un sonido inconfundible, dotando a sus obras de una harmonía, cadencia y calidad, propias de la música de los años 50 y 60.
Mark Knopfler tiene alrededor de 70 guitarras; incluyendo:
Varias Fender Stratocaster, incluyendo un modelo de 1954 (uno de los primeros en ser fabricados) denominado "Jurassic Strat".
Varias Fender Telecaster
Varias Gibson Les Paul
Modelos personalizados de Pensa
Varias Schecter
National Style 0 (usada, por ejemplo, en la canción "Romeo and Juliet" y en la portada del álbum Brothers In Arms)
Una Gibson Super 400 (usada, por ejemplo, en "Your Latest Trick") que costó 20.000 Libras.

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James Patrick Page nació el 9 de enero de 1944 en Heston, en el condado de Middlesex, Inglaterra. Hijo de un administrativo, James Page y de una secretaria, Patricia Elizabeth Gaffikin su pasión por el rock se inició cuando escuchó la canción Let's Play House de Elvis Presley. En 1956 apareció por primera vez en un programa televisado de jóvenes talentos, Huw Wheldon Show, dónde interpretó Mama Don't Wanna Play No Skiffle No More. En enero de 1963 realiza su primera grabación de estudio con el sigle Diamonds del duo Jet & Tony.

A partir de entonces, Jimmy se convierte en músico de estudio colaborando con artistas como Mickie Most, Who, Rolling Stones, Davy Jones, Joe Cocker, etc.

En 1966 Page entro a formar parte de The Yardbirds por dónde habían pasado grandes guitarristas de la talla de Eric Clapton y Jeff Beck con quien trabajó durante algunas semanas. No nos podemos olvidar del hecho de que Peter Grant era por aquel entonces manager de los Yardbirds. En julio de 1968 el grupo se disgrega, teniendo pendientes una serie de actuaciones en la península escandinava, hecho que motivó la búsqueda de nuevos músicos por parte de Page. En septiembre de ese mismo año Jimmy Page decide crear The New Yardbirds con John Paul Jones al bajo y teclados (ocasionalmente también otros instrumentos), a quien ya conocía de antes porque ya habian trabajado juntos (J.P. Jones era arreglista). Conoce a Robert Plant que por aquel entonces era el cantante de Hobbstweedle. John Bonham, el baterista, fue aconsejado por Plant, con quien había estado en dos grupos anteriores.

El nombre de Led Zeppelin lo plagió Page de un chiste de Keith Moon, (extravagante batería de los Who) con el que había coincidido en una sesión de grabación de un tema de Jeff Beck. La actividad dentro del cuarteto fue frenética desde el principio. En seguida se hicieron de notar sus labores como productor, compositor y músico de estudio en todos los trabajos de Zeppelin, siendo muchas veces el artífice de temas que se han convertido con el tiempo en clásicos de la música rock, además de ser considerado como uno de los músicos más inspirados y capacitados para la improvisación en directo, al igual que sus compañeros de banda. Una de sus características como guitarrista es el uso de un arco de violín durante algunos temas, así como del sintetizador denominado como theremin. También es conocido entre otras cosas por ser el que popularizó la guitarra Gibson ES-1275 Doubleneck (de doble mástil) , lo que le convirtió en un hito de los años setenta. Durante la gira americana de 1977 Page solía dar recitales de efectistas y extravagantes solos de guitarra de hasta 20 minutos.

Su pasión por el ocultismo se puso de manifiesto durante la gira de Led Zeppelin en el año 1973, con la parafernalia que le acompañaba, sus trajes y amuletos con signos ocultistas y su consabida admiración por Aleister Crowley, (Con el tiempo Page llegó al extremo de comprar la mansión donde había vivido Crowley en Escocia)

Durante los últimos años de Led Zeppelin (finales de los 70), la actividad de Page dentro de la banda disminuyó a causa de los problemas que le reportaba su addición a sustancias como la heroína. Esto, más el cada vez más alarmante alcoholismo de John Bonham, provocó la imposición de los dos miembros restantes de la banda, Robert Plant y John Paul Jones como principales compositores del que sería el último trabajo del grupo, In Through The Out Door.

Tras la muerte de John Bonham en casa de Page el 25 de septiembre de 1980, se hizo pública la separación de Led Zeppelin.

El periodo que comprende la disolución de Led Zeppelin hasta nuestro días ha sido para Page bastante intenso. Además de ocuparse de la remasterización de todo el catálogo de Led Zeppelin en formato CD, ha compuesto la banda sonora de Death Wish 2 (Charles Bronson); ha tocado junto a muchos solistas y bandas, como Jeff Beck, Yes... o incluso ¡Harry Connick Jr! También participó en el álbum de Box of Frogs, un disco reunión de antiguos miembros de The Yarbirds. Formó una banda llamada The Firm, con la cual sólo publicó dos discos, llamados The Firm y Mean Business junto a los nombres de Paul Rodgers, Tony Franklin y Chris Slade. También participó en los festivales ARMS, junto a estrellas como Steve Winwood, Bill Wyman, Charlie Watts, Kenny Jones o Simon Phillips.

Lo más destacable de su trabajo en solitario quizás sea su trabajo publicado en 1988, Outrider, con Jason, el hijo de John Bonham a la batería y Robert Plant, voz invitada en la canción The Only One.

En los noventa la actividad de Page se tradujo en el disco que realizó junto con David Coverdale, ex vocalista de Deep Purple y Whitesnake. Tras esto, se sucedieron dos colaboraciones con Robert Plant, la primera se titulaba No Quarter y consistía en una gira en la cual se presentaban nuevos arreglos de temas de Led Zeppelin (como Kashmir) con nuevos aires orientales. La segunda colaboración consistió en un álbum llamado Walking Into Clarksdale (1998), con su consiguiente gira de presentación. En 1998 también lanzó el disco "The Masters: No Introduction Required" junto a John Paul Jones, viejo amigo de Led Zeppelin.

En cuanto a su vida personal se conoce poco. Tiene una hija llamada Scarlett, fruto de una relación en los setenta, y un hijo, James, nacido de su matrimonio que duró hasta 1995. Poco después se casó con la joven Jimena Gómez Paratcha, de origen argentino-brasileño, con quien también ha tenido descendencia. Gracias a su relación con Jimena, durante los últimos años, Jimmy Page se ha volcado a las acciones benéficas, sobre todo en Brasil, donde auspicia la fundación Casa Jimmy, para niños sin hogar, y la Action For Brazil's Chidren (ABC) Trust, por las que ha sido recientemente coronado como Caballero de la Orden Británica.

Sus guitarras

• 1958 Gibson Les Paul Standard
• 1959 Gibson Les Paul Standard
• 1966 Fender Telecaster 1960-1965
• Gibson Les Paul Standard w/B-Bender
• Gibson Les Paul with Transperformance System
• Gibson J-200
• Danelectro 59
• Gibson ES-1275 Doubleneck
• Jerry Jones Longhorn Doubleneck
• Ovation Acoustics
• Martin D28

 

Sus amplificadores

• Fender Tonemaster Heads
• Wizard Classic Heads
• Fender Tonemaster 4x12 Cabinets
• Vox AC30
• Marshall JCM-1959 100 watts modified

 

Sus efectos y accsesorios

• Pete Cornish Custom Switching System
• Jensen Crybaby Wah
• Digitech WH-1 Whamy Pedal
• MXR Phase 90
• Boss CE-2 Chorus
• Yamaha CH-10 Mark II Chorus
• Echoplex
• Theramin
• Pete Cornish Line Drivers
• Herco Plex 75 Picks
• Ernie Ball .009-.042 Strings
• Ernie Ball Earthwood Acoustic Strings
• Vox Wah-Wha

''Que toques el bajo no significa que no tengas presencia"
Jimmy Page

"Soy optimista con respecto al futuro del Rock. Los jóvenes músicos emergerán de nuevo, pero con un nivel de buena composición, con profundidad e intelecto. La composición regresará al nivel de la música clásica o él
Jazz"
Jimmy Page

"Deja de tocar la guitarra un día y lo notarás tú.
Deja de tocarla dos días y lo notará tu maestro.
Deja de tocarla tres y empezará a notarlo el público"
Jimmy Page

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Principios
En su juventud, Vai se interesó en grandes del rock como Jimmy Page, Alice Cooper y Jimi Hendrix que fomentó su interés en aprender guitarra. Antes de ingresar en la Berklee College of Music, Vai tomó lecciones con el guitarrista en ascenso Joe Satriani y tocó en muchas bandas locales. Durante este tiempo adquiere la influencia de guitarristas como Jeff Beck y el guitarrista de fusión Allan Holdsworth.

 

Historia
 Nacido el 6 de junio de 1960 en Long Island, Nueva York (cumplió seis años el sexto mes de 1966, como así comentó en la introducción de su libro de transcripciones de Frank Zappa).

Steve Vai conquistó el reconocimiento general trabajando para el legendario músico, productor y compositor Frank Zappa. Al principio Vai solo le hacia las transcripciones de sus partes de guitarra. Cumplido sus veinte años Frank le pidió a Vai que se uniera a la banda. Cuenta una anécdota que Steve le dijo: "Frank, yo quiero ser como tú“, a lo que Zappa respondió: “Imposible, eres demasiado joven para ser pelado".

A principios de los años 1980 abandonó la banda de Zappa y grabó su primer disco como solista, "Flex-Able", y reemplazó a Yngwie J. Malmsteen como guitarra solista en Alcatrazz. Entonces se unió al antiguo front-man de Van Halen, David Lee Roth para grabar dos álbumes, "Eat them and smile" y "Skyscraper", además de una versión en español del primero titulada "Sonrisa salvaje".

Posteriormente tocó para Whitesnake y el mítico cantante David Coverdale en el álbum "Slip of the tongue" y en 1990 grabó su segundo álbum "Passion and Warfare" obteniendo la atención mundial en su carrera como solista. Por estas fechas gana un Grammy por su participación en el disco tributo a Zappa "Zappa's Universe", por su solo en "Sofa", siendo criticado por varios músicos otorgándole el reconocimiento a Mike Keneally, por su participación en ese disco.

También saltó a la pequeña pantalla apareciendo unos cuantos minutos en la película Cross Roads (Cruce de caminos o Encrucijada) donde hizo el papel de un guitarrista llamado Jack Butler que trata de vencer a un joven guitarrista virtuoso enfrentado en un duelo guitarrero frente a Ralph Macchio (famoso por su papel en Karate Kid). En esta película Vai interactúa interpretando su parte con Ry Cooder que interpreta la parte de Ralph Macchio, incluyendo "Eugene's Trick Bag" compuesta por el mismo Vai, basándose en el Capricho No. 5 de Paganini.

En 1991 participa junto a Joe Satriani entre otros en el concierto Leyendas de la Guitarra organizado con motivo de la celebración de la Exposición Universal de Sevilla 1992 (Expo´92).

En 1993 aparece el álbum titulado "Sex & Religion", con una formación nueva y una dinámica más de banda, dejando de lado el estilo solista. Se trata de un disco mayoritariamente vocal, y en parte polémico por el contenido de sus letras, en las que se refiere al sexo y a la religión.

En el año 1995 Steve graba un álbum titulado "Alien Love Secrets", del cual, posteriormente presenta una versión en DVD con los vídeos de las canciones que componen este álbum. El disco se compone de siete temas instrumentales, y fue grabado en 6 semanas.

 

Al año siguiente (1996) participa en la gira llamada G3 junto a Joe Satriani (el organizador) y Eric Johnson, donde le acompaña Keneally en los teclados y guitarra. Se graba un disco en vivo del mismo nombre. En 1996 también sale a la venta "Fire Garden" un extenso disco de 18 temas, tratándose la primera mitad de temas instrumentales y la segunda incorporando canciones cantadas, y afianzándose Steve en su faceta de cantante.

 
Steve VaiLlegando a mitad del año 1999, aparece el disco "The Ultra Zone", en gran parte instrumental, con cinco temas cantados. Se trata de un disco compuesto de trece temas bastante variados.

En el año 2000 año Steve Vai graba su primer disco en vivo, "Alive in an ultra World", presentando canciones que caracterizan los países que el visitó en la gira de "The Ultra Zone".

Un segundo disco G3 con el virtuoso de la guitarra Yngwie J. Malmsteen se graba en el 2003.

Más adelante, en el 2004, Steve Vai lanza su segundo disco en vivo, "Live In Astoria: London", donde selecciona grabaciones de sus actuaciones en el Astoria en Londres, recopilándolas en este disco. Realizó una vez más con Joe Satriani, una gira convirtiéndose en G4, teniendo en esta oportunidad como invitados al legendario Robert Fripp.

Su álbum editado en 2005 se titula "Real Illusions: Reflections" y para presentarlo realizó una gira mundial con músicos de gran categoría, como Tony Macalpine (guitarra y teclados), Billy Sheehan (bajo), Jeremy Colson (batería y percusión) y Dave Weiner (guitarra eléctrica y acústica), en ese mismo año participa en un nuevo G3 al lado de Satriani y John Petrucci.

En 2006 participa en un tour homenaje a Frank Zappa, organizado por el hijo de este último, Dweezil.

Vai junto a la marca de guitarras Ibanez crea en 1986 la serie JEM, diseñando también la primera guitarra de siete cuerdas llamada Ibanez Universe UV77MC. También junto a Ibanez se desarrollaron las primeras y únicas guitarras de tres mástiles, denominadas JEM Tripleneck. La utilización en vivo de este tipo de guitarras (en el G3 del 2003) marca la pauta del nivel que ha alcanzado Steve. En el 2000 junto a Carvin crea según sus especificaciones su propia serie de amplificadores llamada Legacy.

 

 Estilo Musical  [editar]Donde las contribuciones de Vai a otros materiales han sido obligadas por en gran parte el estilo rock o heavy-rock, su propio material es algo más ecléctico. El estilo de Vai se ha caracterizado como movido y angular, debido a su conocimiento profundo de la teoría musical, su facilidad y magnífica técnica con el instrumento. Vai ha sido acreditado con el reciente renacimiento de la guitarra de siete cuerda, y ha usado guitarras de dos y tres mástiles.

Un interesante punto a notar es el compromiso de Steve Vai con la práctica. En varias revistas de guitarra y textos, declaro practicar ocho horas por días, un hábito que comenzó temprano en la secundaria.

 

Equipo
Vai es un productor de estudio realizado,(es dueño de dos: "The Mothership" y "The Harmony Hut") en sus grabaciones combina el poder de su guitarra signature con un uso importante del estudio y sus efectos de grabación, como el Eventide H3000 ultra harmonizer y de Digidesign, el Pro Tools HD.

En cuanto a su guitarra, ayudó en el diseño de su serie de guitarras signature, Ibanez JEM. Estas tienen una agarradera (comúnmente llamada como "monkey grip") en la parte superior del cuerpo de la guitarra. Tiene tres pastillas una humbucker en el puente, una single coil en medio y otra humbucker en mástil. Todas son diferentes modelos (Evolution, Breed y EVO 2) de las marca DiMarzio. También usa el sistema denominado "Ibanez's Edge locking tremolo system". Steve también equipa muchas de sus guitarras con un tope de Ibanez , un estabilizador de tremolo. Un modelo de guitarra de 7 cuerdas fue diseñado por él bajo el nombre de Ibanez Universe. También tiene un modelo signature de guitarra acústica Ibanez, Euphoria. Antes de usar Ibanez Steve había probado con Jackson guitars pero el contrato solo duro dos años.

Steve Vai también trabajó con Carvin Guitars and Pro Audio para desarrollar una línea de amplificadores para guitarra. Vai quería crear un amplificador que tuviera sonido único y equilibrado, versátil y adaptable a cualquier guitarra, cosa que no había podido conseguir con otros amplificadores.

A lo largo de su larga carrera musical, ha utilizado y ha diseñado un arsenal de guitarras. Hasta hizo poner su ADN dentro de la pintura de una de sus guitarras signature, la JEM2KDNA. Solamente 300 de estas guitarras fuero fabricadas. Actualmente usa sobre todo su JEM7V blanca, la cual lleva escrito en un pedazo de cinta las letras "Evo", principalmente para diferenciarla de su guitarra gemela "Flo", aunque "Flo" lleva un susteiner Fernandes.

Entre su ejercito de guitarras cuenta con "Mojo", una guitarra de acrílico que tiene incorporadas luces internas ; una guitarra de tres cuellos, la cual tiene las mismas características que sus guitarras JEM7V. Su mástil superior cuenta con doce cuerdas, el del medio es una guitarra típica de seis cuerdas y el mástil inferior no tiene trastes y cuenta con un susteiner Fernandes Sustainer. Esta última guitarra fue utilizada durante la gira del G3 en el 2003 tour, para la ejecucion de I Know You're Here. Los pedales de Vai incluyen un Boss DS-1 modificado, un Ibanez Tube Screamer, un Morley Bad Horsie, un Korg Pandora PRX4, un Morley Little Alligator Volume pedal, un Digitech Whammy,y un MXR Phase 90.

 

 Películas
La música de Steve Vai ha tenido cabida en varias películas como Dudes y Ghosts of Mars. apareció en pantalla en 1986 en la pelicula de Ralph Macchio, Crossroads, interpretando el guitarrista endemoniado Jack Butler. En el clímax de la película, Vai se enfrenta en un duelo de guitarras con Macchio, cuyas partes del duelo fueron hechas por Vai y Ry Cooder, quien toca la parte incial con slide al comienzo del duelo y las otras performances de Macchio al comienzo de la película. La pieza con la que Macchio gana la competencia, es una pieza neoclásica llamada Eugene's Trick Bag también compuesta por Vai. El tema esta basado sobre el Capricho No. 5 de Niccolò Paganini. Steve Vai utilizo el riff de apertura del tema Head Cuttin' Duel para el tema llamado Bad Horsie de su EP de 1995 Alien Love Secrets. Mas tarde el trabajo realizado por Vai en Crossroads y otras películas reaparece ria en 2002, formando parte de álbum The Elusive Light and Sound, volume 1.

En la película Bill & Ted's Bogus Journey el riff introductorio KISS' God Gave Rock 'N Roll To You II como el tema interpretado en la batalla de bandas fue escrito y interpretado por Vai. También compuso la banda de sonido de PCU (1994),y hizo contribuciones en el 2001 para las películas de John Carpenter, Ghosts of Mars, tocando los temas Ghosts of Mars y Ghost Poppin. Su tema I'm the Hell Outta Here puede ser escuchado durante el film Encino Man cuando Brendan Fraser esta tomando sus lecciones de conducir.

 

 Filantropía
En 2005, Vai se anotó como sustentador oficial de Little Kids Rock, una organización sin fines de lucro que provee instrumentos de musical y clases sin costo a jóvenes de las escuelas públicas en los Estados Unidos. Su nombre figura en la lista de directores como miembro honorario.

Es también fundador de la fundación Make A Noise que provee instrumentos y formación musical a niños sin acceso a ello.

 

Favored Nations
Vai es dueño de Favored Nations, una compañía de grabación y publicación de música que se especializa en procurar y mantener internacionalmente músicos. Favored nations está dividida en tres secciones, 'Favored Nations', 'Favored Nations Acoustic' y 'Favored Nations Cool (Jazz style)'

Los artistas actuales en Favored Nations incluye a Yngwie Malmsteen, Eric Johnson, Tommy Emmanuel, Vernon Reid, The Yardbirds, Larry Coryell, Mimi Fox, Eric Sardinas, Dweezil Zappa, Dave Weiner y Johnny A.

 

Vida Personal
Vai esta casado con Pia Maiocco, bajista de Vixen. Steve y Pia tienen dos hijos, Julian Angel y Fire. En su tiempo libre Vai disfruta del cuidado de abejas, cuya miel es vendida para su fundación Make a Noise.

 

Discografía  (Álbumes en solitario)
Flex-Able (1984)
Flex-Able Leftovers (1984)
Passion and Warfare (1990)
Sex & Religion (1993)
Alien Love Secrets (1995)
Fire Garden (1996)
The Ultra Zone (1999)
The 7th Song (2000)
Alive in an Ultra World (2001 )
The Elusive Light and Sound, volume 1 (2002)
The Infinite Steve Vai: An Anthology (2003)
Real Illusions: Reflections (2005)
Sound Theories (2007)

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"Luis Salinas uno de los artistas argentinos mas reconocidos en el mundo"
Diez discos y Tres DVD editados. Cuatro premios Gardel. Un Konex. En mas de veinte paises escucharon sus conciertos. Sus discos son editados en el mundo. Sus presentaciones son un exito de público. Elogiado por la prensa nacional e internacional.
Nació en Argentina, Monte Grande, ciudad muy cercana a Buenos Aires, Argentina.

La influencia de su padre y de su padrastro, ambos músicos, lo animaron a tocar la guitarra desde edad muy temprana.

Músico autodidacta. No estudió en ningún conservatorio. Es un Improvisador nato con una original capacidad interpretativa.

"Todo tenemos una condición natural para algo. No es lo que te gusta sino lo que podés hacer. El resto es trabajar. No pretendo ser mejor que alguien. Quiero ser el mejor Salinas posible. Mi música más que nada tiene que ser fluída y sincera, si uno no se emociona, el público tampoco"

Antes de lograr el reconocimiento mundial, Salinas fue aceptado en casa.

Su música, que abarca distintos géneros (con el concepto del jazz y de la improvisacion), es reconocida por los grandes artistas de nuestro pais:

Dijo sobre él Mercedes Sosa:

"...Tan extraordinaria como su habilidad única de plasmar la música de nuestros compositores en su guitarra es la hondura de su canto en la interpretación de la obra de nuestros poetas. Es una alegría escuchar su voz de tipo abolerado -en el mejor sentido del témino-, por la sutileza e intimismo de su canto... Siento por él un inmenso cariño en lo personal y un enorme respeto hacia el artista inconmensurable que es..."

Dijo Adolfo Abalos:

"...Soy un admirador de su sonido. Aborda todos los generos con belleza".

Dijo Jaime Torres:

"...Da gusto ser su amigo es un interprete improvisador inimaginable e imprevisible".

"...Además de ser su amigo, admiro su forma de tocar" aseguró Ubaldo De Lio.

Rubén Juárez opinó:

"Aparte de la admiracion que le tengo, quiero contar que la guitarra y él son la pareja perfecta..."

Y así recibió el apoyo y la admiración de artistas como Luis Alberto Spinetta.

A lo largo de su carrera compartió discos y escenarios con Lito Vitale, Chico Novarro, Chango Nieto, Maria Graña, Peteco Carabajal y fue convocado por el Chango Farias Gomez para el último disco de Mercedes Sosa.

Compartio el escenario de El Teatro Colón con Dino Saluzzi. Luego presentó su disco "Música Argentina" en el legendario Teatro a sala llena.

Manolo Juarez sentencia: "Se ha constituido en una figura fundamental en el pensamiento del mapa de nuestro pais".

Pero su carrera internacional comenzó con un disco de Latin Jazz. Cuando Salinas tocaba en Oliverio, tuvo su oportunidad en el sello GRP. La producción la realizo Tommy Li Puma (productor de Al Jarrau y Miles Davis) y grabó dos discos en Nueva York ("Salinas" y "Rosario"). Fue en esa oportunidad cuando los grandes referentes norteamericanos del jazz y blues aprovaron su trabajo:

"Ya es uno de mis guitarristas favoritos!", dijo George Benson.

"Un gran guitarrista argentino", coincidio Chick Corea.

También tuvo su primer sueño logrado cuando tocó con BB King en tres conciertos en Buenos Aires, San Pablo y Río de Janeiro.

Tiempo después comenzó su carrera en España. En Barcelona tiene su oficina desde donde coordina su trabajo en el mundo, a cargo de New Mood Jazz. En Europa editó sus ultimos discos.

Tiene el reconocimiento y el aprecio de los artistas flamencos Raymundo Amador y Tomatito, quien dice: "Cuando conocí a Luis alumbro mi carrera".

Participa de los festivales más importantes de europa com amplio reconociemiento del público y la prensa especializada.

Fue invitado a Centroamerica por Chucho Valdes, y fue jurado en el Festival de la Habana junto a Michel Legrand. Allí tocó ante 30 mil personas junto al grupo Irakere y Valdés.

"... Yo no creo que en el mundo haya dos guitarristas que toquen tan bien y conozcan el instrumento como Salinas. Es fuera de lo común.",dijo Chucho Valdés

Se presentó en los principales teatros de Costa Rica, Puerto Rico, Colombia, Venezuela y Panamá. Tocó en Mexico, Perú, Chile, Uruguay y Honduras.

Ivan Lins opino: "Es un musico extraordinario". Leny Andrade le dijo a Clarin: "es uno de los guitarristas mas grandes que he conocido en el mundo, y yo conozco a muchos guitarristas". Baden Powell dijo de Luis "Es un guitarrista loco y genial". Hermeto Pascoal, Djavan, Scott Henderson, Gambale, son algunos de los artistas con los cuales Luis compartio escenarios y apoyan su carrera.

Para los musicos del mundo, los medios extranjeros y el público de diferentes culturas Luis Salinas es hoy un referente inmediato de la música argentina y un embajador de la actualidad cultural de nuestro pais.

Premios
Gardel 2003 Argentina  Mejor álbum de folklore " Música Argentina Volumen 1 y 2 "
Gardel 2004 Argentina  Mejor álbum de jazz "Ahí Va"
Gardel 2006 Argentina  Mejor álbum de jazz "Luis Salinas y amigos en España"
Gardel 2007 Argentina Mejor álbum instrumental "Muchas Cosas"
Diploma 2006  Argentina  "Personalidad destacada de la cultura" Salón Dorado, Pcio Legislativo
Konex 2005 Argentina Mejor solista instrumental de la última década
 
Paises donde se presentó 
Australia
Colombia
Curaxáo
Francia
Paraguay
Perú
Suecia Brasil
Costa Rica
EE.UU.
Italia
Honduras
Suiza
México
 Chile
Cuba
España
Panamá
Portugal
Uruguay

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Joe "Satch" Satriani es un guitarrista instrumental de rock. Ha recibido 13 nominaciones a los Premios Grammy y ha vendido más de 7 millones de discos en todo el mundo.

Satriani está considerado por algunos como uno de los guitarristas más técnicos del rock. Según éstos ha conseguido dominar casi todas las técnicas de ejecución de su instrumento, incluyendo tapping a dos manos, sweep picking, volume swells, tap harmonics, etc. Además es reconocido como un gran profesor de guitarra, entre cuyos alumnos se incluyen Steve Vai, David Bryson (Counting Crows), Kirk Hammett (Metallica), Larry LaLonde (Primus, ex-Possessed), Charlie Hunter, Kevin Cadogen (Third Eye Blind), Alex Scolnick (Testament), el ex-Megadeth,Marty Friedman, entre otros.

Historia

Joe Satriani nació el 15 de julio de 1956 en Westbury, New York. Se decidió por la guitarra tras escuchar a Jimi Hendrix. Durante los '70 Satriani se mudó a Berkeley, California persiguiendo una carrera como músico. Fue inspirado por músicos como Allan Holdsworth y Lennie Tristano. Cuando su amigo y antiguo alumno alcanzó la fama tocando con David Lee Roth en 1986, Vai alabó a Satriani en multitud de entrevistas a revistas de guitarra.
Su segundo álbum editado en 1987 y llamado "Surfing with the alien" se considera uno de los 5 mejores álbumes de guitarra instrumental del rock, conteniendo temas como "Always with me, always with you" o "Midnigpikoht".
En 1989, la canción de Satriani "One Big Rush" (originalmente lanzada como "Flying in a Blue Dream") fue incluida en la banda sonora de Say Anything. En 1994, Satriani ingresa en Deep Purple sustituyendo a Ritchie Blackmore durante la gira de la banda.
En 1996, Satriani forma el G3, una gira de conciertos de tres guitarristas instrumentales de rock -- originalmente Satriani, Steve Vai, y Eric Johnson.
Satriani es criticado habitualmente por la "esterilidad" de su música. Al momento de crear es muy variado y utiliza todo lo que sabe con tal de expresar lo que quiere. Este adjetivo es causado por su música sencilla, donde muchos encuentran clichés en exceso y pocos cambios armónicos. La aparente perfección de su técnica como guitarrista hace que a veces sea descrita como robótica. Por otro lado sus defensores argumentan el hecho de que muy pocos guitarristas pueden alcanzar esta técnica y profundizar con éxito en los más simples estilos como el blues and rock and roll. En comparación con otros virtuosos contemporáneos, como Yngwie Malmsteen y John Petrucci, Satriani es más lírico.
Satriani ha creado la serie de guitarras Ibanez JS y el amplificador Peavey JSX.

Discografia

• Not of This Earth (1986)
• Surfing With the Alien (1987)
• Dreaming #11 (1988)
• Flying in a Blue Dream (1989)
• The Extremist (1992)
• The Beautiful Guitar(1993)
• Time Machine (1993)
• Joe Satriani (1995)
• G3: Live in Concert (1997)
• Crystal Planet (1998)
• Engines of Creation (2000)
• Additional Creations (Bonus CD with limited "Engines of Creation") (2000)
• Live in San Francisco (2001)
• Strange Beautiful Music (2002)
• The Electric Joe Satriani: An Anthology (2003)
• G3: Rockin' in the Free World (2004)
• Is There Love in Space? (2004)
• G3 - Live In Tokyo (2005)
• Super Colossal (2006)
• SATRIANI LIVE! (2006)

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Nació el 3 de agosto de 1963 en Downey, California (condado de Los Ángeles). Su niñez fue difícil en muchos sentidos. Sus padres, Virgil Hetfield (conductor de camiones) y Cynthia (cantante de ópera) eran miembros de un grupo religioso cristiano (Christian Science). Por tal razón, la mayor parte de la niñez de Hetfield giró alrededor de la práctica religiosa. Sus padres se divorciaron cuando James tenía solamente 13 años.

Conforme a la doctrina de la iglesia a la que pertenecía su familia, el uso de medicinas para la curación de enfermedades estaba proscrito. La madre de James murió de cáncer cuando éste tenía 16 años, hecho que marcó un serio conflicto entre James y los dogmas religiosos practicados por su familia y que, posteriormente, influiría enormemente en la letra de sus futuras composiciones.

A sus nueve años, James comenzó a tomar clases de piano. Más tarde, tocaría la batería de su hermano, David, para finalmente dedicarse a la guitarra en sus años de pubertad. En dichos años, James formó su primera banda llamada "Obsession", inspirada en grupos como The Beatles, Black Sabbath, Venom y Thin Lizzy, entre otros. "Obsession" estaba compuesta por los hermanos Veloz, en el bajo y la batería, Jim Arnold en la guitarra principal y Hetfield en la voz. Sus amigos Ron McGovney y Dave Mass cumplían el rol de "roadies", para después ingresar a la banda como miembros integrantes al retiro de los hermanos Veloz.

Después de trasladarse a Brea, California, James conoció al baterista Jim Mulligan en el Brea Olinda High School. Durante las pausas de almuerzo, ambos ensayaban, asustando a otros guitarristas con sonidos pesados y fuertes, hasta entonces, desconocidos. Un día, un estudiante llamado Hugh Tanner fue visto por James y Jim cargando partes de una Flying "V" en el colegio. Los tres formaron la banda Phantom Lord, con bajistas intermitentes. El proyecto duró hasta la graduación de James, momento en el que tuvo que volver a Downey.

En ese momento, James y su amigo Ron McGovney se trasladaron a una casa programada para demolición, en ese entonces, propiedad de los padres de McGovney. La casa era el lugar ideal para que James y Ron pasaran el tiempo y ensayaran. James convenció a Ron para que tocara el bajo, la banda "Phantom Lord" se deshizo, dando lugar a la tercera banda de Hetfield que se llamaría "Leather Charm". La única diferencia con la banda anterior era que en Leather Charm, James ya no tocaba la guitarra y Ron, ahora tocaba el bajo, mientras Tanner y Mulligan mantenían sus instrumentos iniciales.

La banda se dedicó a interpretar temas de rock pesado, principalmente covers. Consiguieron interpretar en algunas fiestas y lograron la grabación de una demo. Después de eso, la banda comenzó a separarse. El primero en retirarse fue Tanner, quien fue reemplazado por Troy James. Posteriormente, el baterista Mulligan decidió integrarse a una banda con estilo más progresivo. A falta de un baterista, James y sus compañeros decidieron disolver Leather Charm definitivamente.

Aunque la salida de Mulligan, fue lo que determinó a Hetfield para buscar un nuevo baterista, fue también Hugh Tanner quien influyó enormemente en la vida musical de James.

Hetfield no consideró al principio tomar el rol de vocalista en sus bandas anteriores. Eventualmente, se invitó a John Bush de Armored Saint (luego cantante de Anthrax) para cantar en la banda.

El baterista Lars Ulrich, quien había conseguido un espacio en un disco compilatorio producido por Brian Slagel, publicó un anuncio en la revista RECYCLER para formar una banda con quien componer una canción para llenar dicho espacio. El anuncio fue respondido por James Hetfield, que, eventualmente integraría a la banda a su amigo Ron McGovney (bajo) y Dave Mustaine (primera guitarra). Aquella banda se bautizó como Metallica.

Ron McGovney permaneció corto tiempo en la agrupación, dando paso a Cliff Burton en el bajo, tras haber tocado con la banda de metal "Trauma".

Es sabido que las tensiones surgidas entre Mustaine y Hetfield llevaron a que el primero fuese expulsado de Metallica en 1983, y formo su banda llamada MEGADETH.cuando el grupo se preparaba para grabar su primer disco en estudio. Kirk Hammett, primer guitarra de la banda Exodus, viajó a Queens, Nueva York para integrarse a Metallica tras la insistencia de Hetfield y Ulrich para que audicionara con la banda. Desde entonces, James Hetfield ha tomado las riendas creativas de la banda, desde la composición melódica y armónica de las canciones, así como la elaboración de las letras y producción en estudio.

En 1996 concedió mayores espacios a sus compañeros de trabajo para contribuir con material creativo propio en las composiciones de Metallica. A pesar de ello, desde el principio James Hetfield fue y es considerado como la médula espinal y pilar fundamental de Metallica.

James Hetfield se hizo muy conocido por los constantes accidentes sufridos durante las presentaciones en vivo de Metallica. Quizá el más conocido es aquel sufrido durante el concierto conjunto de Guns N' Roses y Metallica en 1992, en el Estadio Olímpico de Montreal. Durante la interpretación de la canción Fade to Black, Hetfield se paró sobre una torre de pirotecnia al momento en que ésta se encendía. Ello ocasionó que sufriera quemaduras de segundo y tercer grado en su brazo izquierdo y su cara, obligándolo a continuar la gira sin poder tocar la guitarra. A pesar de lo ocurrido, continuó cantando gracias al apoyo del guitarrista John Marshall de la agrupación Metal Church, quien se encargó de cubrir la guitarra rítmica.

Hetfield decidió tatuar el brazo afectado por la quemadura con un dibujo de cuatro naipes en llamas que representan la fecha de su nacimiento (1963).

Durante la grabación del disco St. Anger, James Hetfield decidió suspender su participación para ingresar a rehabilitación por alcoholismo. Once meses después regresó al estudio para completar el disco. James Hetfield reapareció en vivo en el año 2003, cuando Metallica fue nombrada como el "MTV Icon" del año.

 

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Brian Phillip Welch nació el 19 de junio de 1970 en Torrance, California y es conocido por haber sido uno de los guitarristas de KoЯn junto a James Shaffer "Munky". El 22 de febrero de 2005 dejó la banda, tras 13 años de carrera, por motivos religiosos.

Brian "Head" Welch creció en Bakersfield, California (aunque nació en Torrance), en el seno de una familia cristiana. Conoció a James Shaffer en el instituto, con quien más tarde formaría KoЯn. Durante su adolescencia trabajó, durante el día, transportando muebles a las tiendas. Por la noche era repartidor de pizzas.

Musicalmente, comenzó su carrera en Ragtyme, junto a Reginald Arvizu. La banda se separa y Arvizu, Rick Morrill (cantante de Ragtyme), David Silveria y James Shaffer forman L.A.P.D. (Love And Peace, Dude). Welch ocupó el puesto de segundo guitarrista de L.A.P.D. en algunas giras, pero nunca como miembro fijo. Después, en 1993 sucede la famosa noche donde Arvizu, Silveria y Welch se encuentran con Jonathan Davis en un bar, mientras este cantaba con su banda, Sexart. En ese momento se funda KoЯn, banda en la que Welch permaneció 13 años y grabó seis discos de estudio, amén de varias giras mundiales y festivales como Ozzfest o el Family Values Tour, este último creado por ellos mismos.

Welch abandonó KoЯn mediante una publicación el 22 de febrero de 2005, meses antes del lanzamiento y grabación de See You On The Other Side. Su cargo vacante lo ocupó Rob Patterson, ex integrante de Otep, que sólo fue el guitarrista de KoЯn en la gira mundial de See You On The Other Side y en algunas canciones del MTV Unplugged: Korn.

Tal y como aseguraron los managers de KoЯn, Welch abandonó la banda para dedicar se vida de nuevo al cristianismo. Al parecer el 8 de febrero de 2005 Welch presentó una carta de renuncia a los managers en la que enumeró una serie de puntos en los que no estaba nada de acuerdo, como por ejemplo objeciones morales hacia la música y videos de la agrupación. La web oficial de KoЯn anunció que "ha escogido a Jesucristo como su salvador, y desde ahora dedicará su música a ese propósito".

Sin embargo, la marcha de Head fue completamente amistosa. Welch expresó que KoЯn y él siguen teniendo una buena relación, y como dicen los demás integrantes en su sitio web, ellos respetan su deseo y esperan que encuentre la felicidad que había buscado. El 3 de marzo de 2005, Welch fue bautizado en el río Jordán, donde según la tradición bíblica, San Juan Bautista bautizó a Jesús. Momentos después aseguró que se había liberado de todos sus enfados: "¿Saben cómo se siente cuando se enoja y eso aumenta? Antes me sentía como si quisiera golpear a alguien. Ahora siento la necesidad de abrazar a las personas. " Welch tiene la palabra "Jesús" tatuada en los nudillos de su mano derecha, así como también la frase "Mateo 11:28", en su cuello.

El 7 de julio de 2007, Welch lanzó It's Time to See Religion Die, el disco de su nuevo proyecto musical llamado Head, el mismo nombre con el que fue apodado en sus tiempos en KoЯn. Apenas un mes antes del lanzamiento del séptimo disco de la banda, See You On The Other Side, Welch lanzó unas duras declaraciones a sus ex compañeros afirmando que sólo les importa el dinero. Davis, respondió con la misma dureza y dijo que su retiro religioso y su proyecto alternativo cristiano tampoco era gratis: "¡La única forma en que él puede hacer eso es volverse un jodido monje! Ahí está, eso es un verdadero sacrificio por Dios. Déjalo todo y hazlo, si es lo que quieres. Está hablando mierda." También aseguró que ha hablado en varias ocasiones con él desde su marcha, pero que siempre le termina hablando de Dios: "No hay resentimientos. Si viene a verme otra vez le daré un abrazo y le preguntare '¿Cómo te vá?' pero eso no es posible, porque cada vez que he tratado de conversar con él, me termina hablando de Dios. No quiero hablar de religión, no es lo mio. Él no respeta eso, asi es que...”

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Contenido

• Soda Stereo
• Soda Stereo: La conquista de Latinoamérica
• Soda Stereo: El final
• Etapa solista
• Etapa solista: Bocanada
• Etapa solista: Siempre es hoy
• Etapa solista: Ahí vamos
• Soda Stereo: Discografía
• Etapa solista: Discografía
• Soda Stereo: Videografía
• Etapa solista: Videografía
• Nominaciones y premios

 

SODA ESTEREO

Gustavo Cerati nació el 11 de agosto de 1959 en Capital Federal, Buenos Aires, Argentina. Su carrera musical comienza en el año 1983, aunque antes de eso, ya a los nueve años estudiaba guitarra, a los doce conformó un trío con el cual se presentaba en fiestas particulares, participaba de todos los eventos que se realizaban en el colegio religioso al que concurría, y llegó a dirigir el coro de la iglesia.

Sus primeras influencias musicales fueron grupos como King Crimson y  especialmente The Beatles. También David Bowie, Pink Floyd y guitarristas como Jimmy Page (Led Zeppelin) y Ritchie Blackmore (Deep Purple)

En el año 79 en la Universidad de El Salvador cursando la carrera de Publicidad, Gustavo Cerati conoce a Héctor "Zeta" Bosio (futuro bajista del grupo Soda Stereo), junto a otro grupo de estudiantes con los cuales intercambiaban discos de The Police, XTC, Elvis Costello. Mientras estudiaba tocó en dos bandas: una de rock and roll y blues, y otra de fusión.
A partir del año 1982 los dos músicos comienzan a proyectar la formación de una banda en la que tocarían temas propios. En ese momento conocen a Charly Alberti, y de ahí en más, luego de un período donde prueban distintas formaciones (incluyendo por momentos a músicos como Richard Coleman, Daniel Melero y Andrés Calamaro entre otros) y distintos nombres, se constituye formalmente Soda Stereo.

La banda estableció la formación de trío:

• Gustavo Cerati: voz y guitarra
• Zeta Bosio: bajo
• Charly Alberti: batería

 

Desde el comienzo el grupo se ocupó de construir su propia imagen; ayudados por Alfredo Lois (compañero de la universidad) cuidaron los detalles estéticos, el maquillaje, los peinados, y - más adelante- la tapa de los primeros discos y la puesta en escena de los recitales. Los primeros shows fueron en Julio del año 1983 en la discoteca Airport y en el Stud Free Pub. Desde ese momento recorrieron el circuito de pubs, con escala obligada en el Café Einstein y Zero, que por entonces representaban el centro de la movida underground del momento donde tocaban bandas como Sumo y Los Twist.

Soda Stereo firmó contrato con la compañía discográfica CBS (luego conocida como Sony Music y hoy Sony/BMG) en agosto de ese año; y en el 1984 comenzaron la grabación de su primer LP "Soda Stereo" (1984). El disco contó con la producción artística de Federico Moura (líder de otro legendario grupo: "Virus"), y fue presentado en el mes de diciembre en el Teatro Astros de la Capital Federal.

Su segunda producción, "Nada Personal" (1985),  fue editada en octubre del 85, y presentada oficialmente en el Estadio de Obras Sanitarias ante 16.000 personas en cuatro funciones. A partir de esos conciertos, las ventas del disco comenzaron a crecer aceleradamente, pasando del disco de oro que habían conseguido durante el verano hasta el platino, y llegando a doblar esa cifra en los meses siguientes. El año 1985 fue el de la consagración de Soda Stereo ante el público argentino; y ya en 1986 comenzaría con muchísimo éxito su carrera en el exterior.
En ese año el trío grabó el video del tema "Cuando pase el temblor" bajo la dirección de Alfredo Lois en las ruinas del Pucará de Tilcara, que junto a la filmación de la presentación en el estadio Obras fue editado en formato video home. Este clip fue nominado como Video finalista del 12° World Festival of Video and TV en Acapulco unos años después.

La conquista de Latinoamérica

El tercer disco "Signos" (1986), tuvo la participación del tecladista Fabián Von Quintiero, el guitarrista Richard Coleman y Celsa Mel Gowland en coros. Una vez terminada la grabación del mismo, Soda Stereo inició una gira con presentaciones en vivo en las ciudades más importantes de Latinoamérica. Para esta época, el público que seguía a la banda había aumentado considerablemente y se apropiaron de sus canciones, como "Persiana americana" y "Signos". En Chile, la prensa llegó a definir el fenómeno de la banda como "Sodamanía".
Al finalizar el año, la banda había logrado abrir las puertas del mercado latinoamericano a la música nacional.
La presentación oficial del disco se realizó en Argentina en el Estadio Obras, y fue seguida por una larga gira realizada por el interior del país. El álbum se convertió en disco de platino en Argentina y doble platino en Chile.
En 1987 el grupo realizó un tour por Perú, Bolivia, Ecuador, Colombia, Venezuela, Costa Rica y México; realizando 22 conciertos en 17 ciudades frente a casi 150.000 personas. Con el material grabado en los distintos puntos del viaje se realizó el disco en vivo "Ruido Blanco" (1987), que fue mezclado en la Isla de Barbados.

A partir de 1988, los músicos comenzaron a trabajar en el nuevo disco, cuya producción artística estuvo a cargo de Carlos Alomar, quien acredita trabajos con David Bowie, Mick Jagger, Iggy Pop y Paul Mc Cartney entre otros.
Luego de ser grabado en un estudio de Nueva York, "Doble Vida" (1988) fue presentado en una discoteca de esa ciudad y en algunos puntos de México y Colombia. Hits como "Lo que sangra (la cúpula)", "Corazón Delator", y "En la ciudad de la Furia" afianzaron definitivamente a la banda dentro de las preferencias del público local. El video de este último tema fue finalista del MTV Music Awards en la categoría de "Mejor video Extranjero", en una época donde MTV Latinoamérica no había nacido aún.
El 3 de diciembre, el disco fue presentado oficialmente en Buenos Aires ante 25.000 personas que asistieron al estadio de Obras Sanitarias y la euforia se repitió el 27 del mismo mes en un concierto multitudinario (150.000 personas) en el Festival Tres Días por la Democracia.
Con la cifra de un millón de discos vendidos, Soda inició una gira nacional de presentación del disco que comprendió 30 shows en casi todo el país ante 270.000 espectadores durante los primeros días de 1989, que fue seguida por una gira latinoamericana y la realización de dos conciertos en Los Angeles.

A fines de 1989 grabaron una nueva versión de "Languis" (canción incluída en "Doble Vida") y un tema nuevo llamado "Mundo de Quimeras", los que fueron editados en el maxi-simple "Languis" (1989) junto a versiones remixadas de "En el borde" y "Lo que sangra (la cúpula)". Luego de editado el disco, realizan la primera presentación de una banda de rock en español en territorio estadounidense con un show sold out en The Palace de Los Angeles.

A principios de 1990, la banda se presenta por primera vez en Argentina en un estadio de fútbol (estadio Vélez Sarsfield), en la cual compartieron cartel en igualdad de condiciones junto al dúo inglés Tears For Fears, en un show ante 32.000 personas.

A mediados de 1990, Soda Stereo vuelve a grabar un disco de estudio con el aporte conceptual de Daniel Melero, y la participación de Andrea Alvarez y Tweety González - todos importantes músicos de la escena rockera nacional - en calidad de invitados.
"Canción Animal" (1990) significó para la banda el acceso al mercado español plasmado en el futuro a través de la realización de shows en las ciudades de Sevilla, Madrid, Barcelona, y Valencia en el año 92, y una maratónica y nunca repetida por ningún artista "Gira Animal" que abarcó treinta ciudades de Argentina, incluyendo lugares donde nunca se había presentado una banda de la envergadura de Soda Stereo. Y en cada lugar, se respetó la misma infraestructura de show, que para ese momento era inédita para un artista local.
El punto más alto de la gira fue el recital en el estadio de Vélez Sarsfield, a fines de Diciembre ante 40.000 personas.
A comienzos de 1991 se presentan en un gran concierto gratuito en la ciudad de Punta del Este (Uruguay), y hacia mitad de año, baten un nuevo record realizando 14 presentaciones en el Teatro Gran Rex de la Ciudad de Buenos Aires.
De estos shows surgió el EP "Rex Mix" (1991) el cual incluía versiones en vivo grabadas esas noches y también versiones remixadas junto al tema nuevo "No necesito verte (para saberlo)".
La banda cerraría ese año con un nuevo record. Un nuevo concierto gratuito y masivo que fue presenciado por 250.000 personas en plena Avenida 9 de Julio de la Ciudad de Buenos Aires.

A comienzos de 1992 - y paralelamente a las actividades de la banda - Gustavo Cerati editó un disco en conjunto con el músico Daniel Melero, quien había participado anteriormente con la banda como colaborador artístico y formaba parte de los músicos invitados en las presentaciones en vivo durante la gira de "Canción Animal".

"Colores Santos" (1992) - que también contó con el aporte de los músicos Flavio Etcheto y Carola Bony -  fue grabado en el estudio Supersónico de los Soda, y no fue presentado en vivo.

La grabación del siguiente disco de Soda Stereo también se realizó en el estudio Supersónico durante 1992. "Dynamo" (1992) fue editado en el mes de Septiembre y fue presentado con 6 shows en el Estadio Obras a fines de ese mismo año. La banda quiso que cada show contara con una banda nueva como invitados y así estuvieron de soporte bandas como Babasónicos, Juana La Loca, Martes Menta y Tía Newton, las cuales protagonizaban el nuevo escenario musical de Buenos Aires.

En enero de 1993 emprendieron su sexto tour latinoamericano, visitando México, Chile, Paraguay, y Venezuela.
Una vez finalizada la gira presentación de "Dynamo", se toman un largo descanso que hicieron crecer los rumores de separación de la banda.
A finales de año se edita "Zona de Promesas" (1993), un compilado de remixes de clásicos temas de la banda, y la inclusión de una canción inédita que daría título al álbum.
Tres años después el grupo editará lo que sería su último disco en estudio.

Varias cosas sucedieron durante ese tiempo. Algunas de ellas fueron el cambio de compañía discográfica por parte de la banda (de Sony a BMG); la edición del disco "Amor Amarillo" (1993): primer trabajo en solitario del líder de Soda, que coincidió con el nacimiento del primer hijo de Gustavo, y fue grabado en Chile y Buenos Aires con la participación de Zeta Bosio.
El año 95 marcó el regreso del grupo con la edición de "Sueño Stereo" (1995). Temas como "Paseando por Roma", "Zoom", y el primer corte de difusión "Ella usó mi cabeza como un revólver", se escucharon en las radios y motivaron el regreso de la banda a los escenarios porteños. Nuevamente el Gran Rex fue el teatro elegido para presentar el disco; emprendiendo durante ese año una nueva gira latinoamericana  y la realización de un recital gratuito para el festejo del 113° aniversario de la ciudad de La Plata (Capital de la provincia Buenos Aires) ante 200.000 personas.

En 1996 Soda realizó un tour por Estados Unidos (Los Angeles, Chicago, Nueva York, y Miami) para presentar su última producción, cosechando elogiosas críticas de los medios norteamericanos más importantes. A mediados de año grabaron en Miami un concierto para la cadena de música MTV. Este show tuvo la particularidad de que la banda no respetara la consigna original sobre el uso de instrumentos desenchufados. "Comfort y Música para Volar" (1996) – disco que registra esta presentación – es una versión plugged de 11 temas de la banda y que incluye además 4 temas nuevos que habían quedado fuera de "Sueño Stereo" y un track interactivo con historietas e imágenes en video de la presentación en MTV.
Este disco constituye la última producción discográfica realizada como banda.

El final de Soda Estereo

A partir de ese momento, Soda entró en un silencio que sólo se vió interrumpido por las versiones no oficiales de su separación definitiva.

Mientras tanto Gustavo se unió a tres músicos chilenos no profesionales (Andrés Bucci, Guillermo Ugarte, y Christian Powditch), constituyendo Plan V, proyecto electrónico que se plasma en dos discos: "Plan V" (1996), de origen trasandino; y el segundo trabajo "Plan Black V Dog" (1998),  que fue compartido con los ingleses Black Dog, y editado en el año 1998 luego de la separación de Soda Stereo. 

El 1° de Mayo de 1997, la banda anunció oficialmente su separación mediante un comunicado de prensa. Al día siguiente, todos los diarios se hacen eco de la noticia y el diario Clarín dedica un gran espacio en su portada para ello. Gustavo publica luego en el suplemento "Sí" (suplemento joven del diario Clarín) lo que sería "La carta del adiós" .

 

"Estas líneas surgen de lo que he percibido estos días en la calle, en los fans que se me acercan, en la gente que me rodea, y en mi propia experiencia personal. Comparto la tristeza que genera en muchos la noticia de nuestra separación. Yo mismo estoy sumergido en ese estado porque pocas cosas han sido tan importantes en mi vida como Soda Stereo. Cualquiera sabe que es imposible llevar una banda sin cierto nivel de conflicto. Es un frágil equilibrio en la pugna de ideas que muy pocos consiguen mantener por quince años, como nosotros orgullosamente hicimos. Pero, últimamente, diferentes desentendimientos personales y musicales comenzaron a comprometer ese equilibrio. Ahí mismo se generan excusas para no enfrentarnos, excusas finalmente para un futuro grupal en que ya no creíamos como lo hacíamos en el pasado. Cortar por lo sano es, valga la red, hacer valer nuestra salud mental por sobre todo y tambin el respeto hacia todos nuestros fans que nos siguieron por tanto tiempo. Me gustara aclarar que este estado no tiene nada que ver con mis frecuentes salidas a Chile ni con los esporádicos proyectos musicales que haya realizado al margen de Soda.
Un fuerte abrazo".

 

Durante los meses de Agosto y Septiembre de ese año llevaron a cabo una gira latinoamericana por México, Venezuela, y Chile; culminando su trayectoria con una despedida oficial realizada en Buenos Aires el 20 de septiembre en el Estadio de River Plate ante más de 70.000 personas.
El registro de este show fue plasmado en dos discos editados a fin de ese año llamados "El Último Concierto A y B" (1997).

ETAPA SOLISTA

Luego de la separación del grupo, Gustavo tuvo un tiempo de actividad en solitario que alternó entre la composición de un nuevo álbum de canciones; la experimentación en el campo de la electrónica; y la participación en  el disco homenaje latino a The Police - "Outlandos D´Americas" (1998) - interpretando una versión de su autoría del tema "Bring on the Night" junto a Andy Summers (miembro original de The Police) y el reconocido baterista Vinnie Colaiuta.
Antes de la edición de su primer trabajo solista, compuso un material electrónico a dúo con el músico Flavio Etcheto. Con el nombre de Ocio, editaron el disco "Medida Universal" a mediados de 1999.

Bocanada

El 28 de Junio de ese mismo año, le da vida a uno de los discos más esperados desde la separación de la banda, "Bocanada" (1999), con el que dió comienzo oficialmente a su carrera solista.
Grabado en el estudio CasaSubmarina y en Abbey Road de Londres, el álbum salió a la venta en el mercado argentino siendo disco de oro. El mismo contó con la participación de los músicos Flavio Etcheto en teclados, Leo García en coros y voz, Fernando Nalé en bajo, y Martín Carrizo en batería (quienes también formarían parte de la banda en la gira de presentación de ese disco); además de los arreglos en cuerdas de Alejandro Terán y la inclusión particular de una orquesta de 48 músicos convocada especialmente para la grabación del tema "Verbo Carne".

"Bocanada" cosechó elogiosas críticas entre la prensa y el público tanto a nivel nacional como internacional; con igual repercusión en los shows realizados durante la gira que comprendió Argentina, México, Chile, El Salvador, Panamá, Costa Rica, Ecuador, Colombia, Estados Unidos, España y Venezuela; tocando inclusive en algunos países a los que el músico nunca antes había visitado.
En Argentina, la presentación oficial del mismo se realizó en el Teatro Gran Rex durante seis funciones a sala llena y con conciertos llevados a cabo también en el interior del país. Luego en 2000, repetiría la presentación en Buenos Aires, pero esta vez con dos funciones en el estadio Obras.
Finalizando 1999, Gustavo obtiene el reconocimiento de la mayoría de los medios especializados de Argentina, que manifestaron su opinión en los resultados de las encuestas que repasaron la producción musical de ese año,  consagrándolo en distintos rubros tales como "Mejor Disco" y "Mejor Solista" del año; así como también premiaron su trayectoria eligiéndolo "Artista de la Década" junto al popular músico argentino: Charly García.

Los siguientes dos años lo tuvieron ocupado en distintas realizaciones, mientras iba generando e ideando nuevos temas para un próximo álbum. En el año 2001 se edita la banda de sonido del film "+ Bien", una producción independiente de Eduardo Capilla, director de videos y realizador audiovisual. El disco fue nominado como "Mejor Album Instrumental Pop" para los Grammy Latinos.

En Agosto de 2001, se realiza un concierto a puertas cerradas en el Teatro Avenida, con una orquesta de 42 músicos especialmente armada por el arreglador y director Alejandro Terán y se realiza la grabación de lo que luego sería el disco "11 Episodios Sinfónicos" (2001), que registra versiones orquestadas sobre clásicos de toda su carrera.
11 Episodios sinfónicos, con producción de Diego Sáenz, desembarca luego en el Teatro Colón de la ciudad de Buenos Aires con dirección de Alejandro Terán, ofreciendo al público un concierto verdaderamente atípico y conmovedor, con una excelente repercusión de la prensa nacional. La Orquesta Sinfónica Nacional, dirigida por Pedro Ignacio Calderón, llevó a cabo la primera parte instrumental de la velada.
El show fue también presentado en vivo en México, donde el álbum se mantuvo largamente en los primeros puestos en el ranking de ventas. Se colmó el Auditorio Nacional del Distrito Federal para ver a Cerati junto a una orquesta de cuarenta músicos locales. Luego la serie de presentaciones continúa en el Teatro Teresa Carreño de Caracas, Venezuela, en el Estadio San Carlos de Apoquindo de Santiago, Chile y en tres shows en el Teatro Gran Rex de Mendoza, Argentina, siempre con orquestas locales de más de 65 músicos en escena.

Siempre es hoy

A fines de Noviembre de 2002 sale a la venta "Siempre es Hoy", su tercer disco solista de estudio.
El técnico Sacha Triujeque y el músico y productor Toy Hernández (Control Machete) vinieron de México para realizar la co-producción de la mezcla del disco.
Muestra influencias que se mezclaron con el pop, el hip hop y el rock y se realiza una edición simultánea en Argentina, Estados Unidos, México y Chile.
El disco fue presentado en la ciudad de Buenos Aires en el Estadio Luna Park en Marzo de 2003 y luego en Septiembre en 3 funciones en el Teatro Gran Rex.  
En este caso Gustavo armó una banda formada por los músicos: Flavius Etcheto (samplers), Fernando Nalé (bajo), Leandro Fresco (teclados y coros), Pedro Moscuzza (batería) y DJ Zucker (scratches y loops). En los coros, durante algunos shows participaron también Loló y Déborah de Corral y en el rap de "Altar", Tea-Time (Los Tetas).
También participaron importantes músicos invitados como Charly García y Domingo Cura.
La gira de Siempre es Hoy comenzó a fines de 2002 en Quito (Ecuador) y Cali (Colombia) y en 2003 lleva recorridas nueve ciudades de México, varias ciudades de Argentina, Perú, Chile, Venezuela, Uruguay, San José de Costa Rica, Panamá, Puerto Rico y Estados Unidos (Los Angeles, Anaheim, Chicago y Nueva York).

En 2003 se edita "Siempre es Hoy: Reversiones" el cual propone versiones remixadas por distintos artistas sobre los temas del disco "Siempre es Hoy". Se incluyen versiones de los ganadores del concurso de remixes que se realizó por medio de su sitio web y una selección de versiones realizadas por artistas argentinos y de México, Chile y Alemania. La forma en que se realizó el concurso es inédita ya que los usuarios dispusieron de todas las pistas del tema por separado. Se recibieron 350 temas de los que se eligieron dos.
El disco tiene formato de disco doble y también fue editado un vinilo con 4 de los temas seleccionados.

En 2003 se edita además su primer DVD, el cual contiene el concierto completo de "11 Episodios Sinfónicos" grabado en el Teato Avenida de la ciudad de Buenos Aires.

Paralelamente a la gira de presentación de "Siempre es Hoy", Gustavo, Flavio Etcheto y Leandro Fresco, conforman el proyecto "Roken", un trío de laptos con el que se presentan en varios países, incluyendo el importante Festival BUE en Buenos Aires.

"Canciones elegidas 93-04" es el siguiente paso en la carrera musical de Gustavo. El disco recopila canciones de su carrera solista e incluye un DVD con todos los videoclips solistas realizados hasta el momento. Además, contó con el tema inédito "Tu locura". El álbum tuvo una doble edición: una en España y otra en Argentina y fue promocionado con una gira corta que abarcó los meses de Octubre a Diciembre de ese año y llevó a Gustavo por Argentina, México, Chile y España.

 

¡Ahí vamos!

Hacia fines de 2005 comienza a dedicarse enteramente a su nueva producción: "Ahí vamos", que se edita simultáneamente en Argentina y México el 4 de abril de 2006. El disco alcanzó el galardón de platino antes de su salida a la venta, al recibir pedidos por anticipado por más de 40,000 unidades en Argentina. Fue además excelentemente recibido tanto por la crítica como por el público.
Coproducido por Gustavo y Tweety González, "Ahí vamos" representa una vuelta a sus raíces, con una concepción y estructura sonora que parte de la guitarra.
La grabación de "Ahí vamos" cuenta con la participación de grandes músicos que lo acompañaron ya en otras etapas de su trayectoria musical: Richard Coleman, Fernando Nalé, Leandro Fresco, Tweety González, Emmanuel Cauvet, Fernando Samalea, Pedro Moscuzza, Bolsa Gonzalez, Flavius Etcheto, Capri; y Loló Gasparini y Paula Zotalis en coros.
En la mezcla, se sumó el ingeniero Héctor Castillo, quien ha trabajado con artistas de la talla de Pete Townshend, David Bowie, Lou Reed y Suzanne Vega entre otros.
El disco fue masterizado por Howie Weinberg en el estudio "Masterdisk" de Nueva York.
Próximamente Gustavo presentará "Ahí Vamos" en vivo en una gira que comenzará en México del 1° al 9 de Junio. Luego volverá a Argentina para hacer cinco funciones en el Estadio Pepsi Music el 16, 17, 18, 30 de Junio y 1° de Julio, junto a algunas ciudades del interior del país. Luego viajará a Estados Unidos del 1° al 20 de Agosto y en Septiembre seguirá recorriendo Latinoamérica. Del 29 de ese mes al 10 de Octubre girará por España y luego, el 12 de Octubre llegará por primera vez en su carrera a tocar en la ciudad de Londres, Inglaterra.

La gira presentación de "Ahí vamos" continuará luego por el interior de Argentina y Latinoamérica.

DISCOGRAFIA

Soda Estereo

Discos de estudio

• Soda Stereo | CBS, 1984
• Nada Personal | CBS, 1985
• Signos | CBS, 1986
• Doble Vida |CBS, 1988
• Canción Animal | CBS, 1990
• Dynamo | Sony Music, 1992
• Sueño Stereo | BMG, 1995

 

Varios

• Ruido Blanco (en vivo) | CBS, 1987
• Languis (maxi-simple) | CBS, 1989
• Rex Mix (EP | en vivo + remixes + inédito) | Sony Music, 1991
• Zona de Promesas (compilado de remixes) | Sony Music, 1993
• 20 Grandes Exitos | Sony Music, 1994
• Comfort y Música para Volar (en vivo + inéditos + track interactivo) | BMG, 1996
• El Último Concierto A y B (en vivo) | Sony Music & BMG, 1997

 

DVD

• Una parte de la euforia | Sony Music, 2004
• El Último Concierto | Sony BMG, 2005

 

Solista

Discos de estudio

• Amor amarillo | BMG, 1993
• Bocanada | BMG, 1999
• Siempre es Hoy | BMG, 2002
• Ahí Vamos | Sony BMG, 2006

 

Varios

• 11 Episodios Sinfónicos (en vivo junto a una orquesta sinfónica) | BMG, 2001
• +Bien (banda de sonido) | BMG, 2001
• Reversiones:Siempre es Hoy (compilado de remixes) | BMG, 2003
• Reversiones:Siempre es Hoy (edición en vinilo) | BMG, 2004
• Canciones elegidas 93 04 (compilado + inédito) | BMG, 2004

 

DVD

• 11 episodios sinfónicos (en vivo junto a una orquesta sinfónica) | BMG, 2001
• Canciones Elegidas 93 04 (compilado + inédito) | BMG, 2004
• Ahí vamos (en vivo + documentales + videoclips) | Sony BMG, 2007

 

Proyectos Paralelos

• Cerati - Melero "Colores Santos" | Sony Music, 1992
• Plan V "Plan V" | Background Records, Fénix Discos, 1996
• Plan V - Black Dog "Plan V/Black Dog" | BMG, 1998
• Ocio "Medida Universal" | Ambar/BMG, 1999

 

VIDEOGRAFIA

Soda Estereo

Videoclips

• "Dietético" | Dirección Alfredo Lois | 1984
• "Cuando pase el temblor" | Dirección: Alfredo Lois | Finalista del 12 World Festival of Video and TV/Acapulco | 1986
• "En la ciudad de la furia" | Dirección: Alfredo Lois | Finalista del MTV Music Awards por "Mejor Video Extranjero" | 1989
• "de Música Ligera" | Dirección: Alfredo Lois | 1990
• "de Música Ligera/Canción Animal/A un millón de Años Luz" | Dirección: Caíto Lorenzo | 1991
• "No necesito verte (para saberlo)" | Dirección: Eduardo Capilla | 1991
• "Cae el Sol" | Dirección: Caíto Lorenzo/Diego Guebel | 1991
• "Primavera 0" | Dirección: Boy Olmi | 1992
• "Ella usó mi cabeza como un revólver" | Dirección: Stanley | 1995
• "Zoom" | Dirección: E. Capilla- M. Galperín | 1995
• "de Música Ligera (en vivo)" | Dirección: Alfredo Lois | 1997

 

Larga Duración

• "Soda Stereo en el Astros" | Dirección: Alfredo Lois | 1985
• "Nada Personal en Obras" | Dirección: Alfredo Lois | 1986
• "Signos en Perú" | Dirección: Alfredo Lois | 1987
• "Ruido Blanco" | Dirección: Alfredo Lois | 1987
• "Canción Animada" | Video-Home | 1992
• "Haciendo Dynamo" | Dirección: Boy Olmi | 1992
• "El Ultimo Concierto" | Dirección: Alfredo Lois | 1997

 

Solista

Videoclips

• "Te llevo para que me lleves" | Dirección: Daniel Bohm & Pablo Fischerman | 1993
• "Pulsar" | Dirección: Gabriela Malerba & Alejandro Ros | 1994
• "Lisa" | Dirección: Ariel Guelferbein | 1994
• "Puente" | Dirección: Andrés Fogwill | 1999
• "Paseo Inmoral" | Dirección: Gustavo Cerati & Picky Talarico | 1999
• "Tabú" | Dirección: Stanley | 2000
• "Engaña" | Dirección: Cecilia Amenábar & Eduardo Capilla | 2000
• "Río Babel" | Dirección: Emiliano López | 2000
• "Persiana Americana" | Dirección: Diego Sáenz | 2001
• "Corazón delator" | Dirección: Diego Sáenz | 2001
• "Cosas Imposibles" | Dirección: Diego Kaplan & Juan Antín | 2003
• "Karaoke" | Dirección: Sebastian Sánchez | 2003
• "Artefacto" | Dirección: Germán Saez | 2003
• "Crimen" | Dirección: Joaquín Cambre | 2006
• "La excepción" | Dirección:De San Pablo/Balseiro/Jaramillo | 2006
• "Adiós" | Dirección: Joaquín Cambre | 2007

 

Larga duración

• "Haciendo Siempre es Hoy" | Dirección: Germán Saez | 2002
• "Ahí vamos" | Dirección: Germán Saez | 2006

 

Otros

• "Vuelta por el universo" | Album "Colores Santos" | Dirección: Daniel Bohm & Pablo Fischerman | 1992
• "Hoy ya no soy yo" | Album "Colores Santos" | Dirección: Daniel Bohm & Pablo Fischerman | 1992
• "Tripulante 2.3" | Album "Plan V" | Dirección: Cecilia Amenábar | 1996
• "Lolol" | Album "Medida Universal" | Dirección: Cecilia Amenábar | 1999

 

NOMINACIONES Y PREMIOS

Grammy Latino

• 2002 | Nominación "Mejor álbum Instrumental Pop": "+ Bien"
• 2002 | Nominación "Mejor canción rock": "Puente"
• 2003 | Nominación "Mejor álbum vocal de rock": "Siempre es hoy"
• 2006 | Nominación "Album del año": "Ahí vamos"
• 2006 | Ganador "Mejor álbum de rock": "Ahí vamos"
• 2006 | Ganador "Mejor canción rock": "Crimen"
• 2006 | Ganador "Mejor producción": "Fijación oral vol.1 (Shakira)"

 

Premios MTV Music Awards

• 1998 | Finalista en el rubro Mejor Video Extranjero: "En la ciudad de la furia"

 

Premios MTV Video Music Awards Latinoamérica

• 2002 | Nominación "Mejor artista sureste"
• 2002 | Nominación "Mejor artista masculino del año"
• 2002 | Ganador "Premio a la trayectoria" por Soda Stereo
• 2003 | Nominación "Video del año": "Cosas imposibles"
• 2003 | Nominación "Mejor Solista"
• 2003 | Nominación "Mejor Artista de Rock"
• 2003 | Nominación "Mejor Artista Argentina"
• 2006 | Nominación "Mejor Solista"
• 2006 | Nominación "Mejor Artista Rock"
• 2006 | Nominación "Video del año": "Crimen"
• 2006 | Nominación "Artista del año"
• 2006 | Ganador "Mejor artista sur"

 

Rock & Pop Awards

• 2006 | Ganador "Mejor solista nacional"
• 2006 | Ganador "Mejor cantante nacional"
• 2006 | Ganador "Mejor disco nacional": "Canción animal" (Soda Stereo)
• 2006 | Ganador "Mejor show nacional": "Soda Stereo, El Ultimo concierto" (Soda Stereo)

 

Premios Carlos Gardel

• 2000 | Ganador "Mejor artista de rock"
• 2000 | Ganador "Mejor diseño de portada": "Bocanada" | Diseñador: Alejandro Ros
• 2000 | Nominación "Realizador del año": "Bocanada" | Realizador: Gustavo Cerati
• 2000 | Nominación "Mejor video clip": "Puente"
• 2000 | Nominación "Album del año": "Bocanada"
• 2002 | Nominación "Mejor artista masculino de rock": "11 Episodios Sinfónicos"
• 2002 | Nominación "Mejor diseño de portada": "11 Episodios Sinfónicos" | Diseñador: Urko Suaya
• 2002 | Nominación "Realizador del Año": "11 Episodios Sinfónicos" | Realizador: Diego Sáenz
• 2003 | Nominación "Mejor album artista de rock": "Siempre es hoy"
• 2003 | Nominación "Mejor abum del año": "Siempre es hoy"
• 2003 | Nominación "Realizador del año": "Siempre es hoy"| Realizadores: Gustavo Cerati, Toy Hernández y Sacha Triujeque
• 2003 | Nominación "Mejor Realización del Año": "Cosas imposibles" | Realizadores: Cerati, Etcheto
• 2007 | Ganador "Mejor album artista de rock": "Ahí vamos"
• 2007 | Ganador "Mejor diseño de portada": "Ahí vamos" | Diseñador: Ezequiel de San Pablo
• 2007 | Ganador "Mejor video clip": "Crimen"
• 2007 | Nominación "Ingeniería de grabación": "Ahí vamos" | Ingenieros: González, Dorfman, Castillo, Weinberg
• 2007 | Ganador "Interpretación del Año": "Crimen"
• 2007 | Ganador "Producción del Año": "Ahí vamos" | Productor: Cerati/González
• 2007 | Ganador "Canción del Año": "Crimen"
• 2007 | Ganador "Album del año": "Ahí vamos" | Gardel de Oro

 

Otros

• Premio Konex de Platino 1995
• Premio Konex 2005
• Viña del Mar

 

Distinciones periodisticas

Encuestas del Suplemento Sí, Diario Clarín

• 1990 | Ganador "Mejor banda": Soda Stereo
• 1991 | Ganador "Mejor banda": Soda Stereo
• 1997 | Ganador "Mejor banda": Soda Stereo
• 1999 | Ganador "Mejor solista"
• 1999 | Ganador "Mejor disco": "Bocanada"
• 1999 | Ganador "Mejor tema": "Puente"
• 2000 | Ganador "Mejor solista"
• 2002 | Ganador "Mejor solista" (Compartido con Charly García)
• 2003 | Ganador "Mejor solista"
• 2004 | Ganador "Mejor solista"
• 2006 | Ganador "Mejor solista"
• 2006 | Ganador "Mejor disco": "Ahí vamos"
• 2006 | Ganador "Mejor tema": "Crimen"
• 2006 | Ganador "Mejor video": "Crimen"

 

Encuesta del Suplemento No, Diario Página 12

• 2000 | Artista de la década (Junto a Charly García)
• 2006 | Ganador "Mejor disco": "Ahí vamos"

 

Revista Rolling Stone, votación de los lectores

• 2000 | Ganador "Mejor solista"
• 2000 | Ganador "Mejor cantante masculino"
• 2000 | Ganador "Mejor álbum": "Bocanada"
• 2000 | Ganador "Mejor tema": "Puente"
• 2000 | Mención "Mejor tapa": "Bocanada"
• 2000 | Ganador "Grupo o solista revelación"

 

Revista Rolling Stone, votación de los periodistas

• 2000 | Ganador "Mejor cantante masculino"
• 2000 | Mención "Mejor tema": "Puente"

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Edward Lodewijk Van Halen, (nacido el 26 de enero de 1955) es un guitarrista y pianista, fundador de la banda de rock Van Halen; considerado por muchos como uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos en su género musical.

La biografía de Eddie va ligada a la de su banda, Van Halen. Los hermanos Van Halen, Ed y Alex, nacieron en Holanda y en el año '67 se trasladaron a California. Ahí, su padre, un músico de Jazz, los incentivó a que fueran músicos y fueron, durante muchos años, concertistas de piano. Sin embargo al crecer fueron cautivados por el Rock lo que llevó a aprender a tocar nuevos instrumentos.Al principio, Ed tocaba la batería y Alex la guitarra, sin embargo, con el tiempo fueron cambiando sus instrumentos. Empezaron a tocar en 1972 en reuniones familiares y en la escuela. (sobra decir que fue inspirado por guitarristas como, Jimi Hendrix, Brian May y Jimmy page). Después conocieron a DLR (David Lee Roth), quien cantaba en The Red Balls Jet y que impuso fuerza al grupo. También en la Secundaria estaba Michael Anthony quien dijo:" Todos en la escuela tocan guitarra o batería, así que yo tocaré el bajo", y le sacó dos cuerdas a su guitarra. Estos cuatro personajes formaron Mamooth en 1973 y se cambiaron el nombre a Van Halen, desechando la idea de Rat Salad, en 1974.
Empezaron a tocar en clubes nocturnos durante tres años y, un día, Gene Simmons (Bajista de KISS), les financió unas grabaciones de demos para el sello Warner, quienes en un principio no los aceptaron, y luego hicieron toda su discografía.
El álbum debut fue homónimo (Van Halen) y tuvo grandes éxitos como: Runnin´ with the Devil, You Really Got Me, Ain't Talkinbout Love y Jamie's Cryin'.Ahí corría el año '78.
Al año siguiente sacaron la continuación del primer álbum (Van Halen II) que tuvo los éxitos de: Dance the Night Away, You're No Good, etc. Eso fue en 1979.
En 1980 salió el tercer disco de la banda, Women And Children First, que no tuvo muchos singles de éxitos, pero como álbum, llegó muy arriba en Billboard.
Dos años más tarde salió el disco Fair Warning, cual contenía uno de los éxitos más grandes de la banda: Unchained.
Después de un año, 1983, salió Diver Down, disco que recorrió los lugares más altos de Billboard y tenía los siguientes éxitos: (Oh)Pretty Woman, Cathedral, Big Bad Bill (Is Sweet William Now), etc.
Después en el año 1984, salió el disco del mismo nombre (1984) que fue el punto cúlmine de la Era de DLR. El primer single, Jump, sacó del nro.1 de Billboard a Thriller de Michael Jackson, y éste, admirado por la calidad de Eddie, Le pidió la colaboración en uno de sus temas, Beat It. Esto provocó mucho a DLR, que para vengarse grabó su proio disco en solitario sin avisar nada a los otros miembros de la banda. DLR dijo que preferiría seguir con su carrera de solista para ganar más dinero y, por este comentario fue expulsado del grupo.
Después llamaron a Sammy Hagar. Sammy era un cantante que con su primer disco con "mini-éxitos" había ganado algo de dinero. Entre sus cualidades estaba la de tener una voz muy aguda y saber tocar guitarra, algo que DLR nuncá trató de hacer. Cuando Van Halen estaba buscando a alguien que pusiera la voz por el grupo, Eddie fue al garage y había un auto muy lujoso. Éste, extrañado preguntó quién era e dueño y el propietario del garage le dijo:" Es de un tal Sammy Haggar. ¡Hey!, lo deberías tener en tu banda." y Ed le pidió su número. Se juntaron los tres con el nuevo cantante y empezaron a tocar. Sammy empezó a improvisar letras y de esa forma salieron varias canciones. Así, Sammy fue el nuevo vocalista de Van Halen y principal figura de 5150, álbum clásico para los seguidores de Van Halen. Éste tuvo grandes éxitos como: Why Can't This Be Love, Dreams, Love Walks In y Best Of Both Worlds.
Dos años después, en 1988 salió OU812, discó que empezó a bajar la clásica dureza del estilo que cultivaba Van Halen. De allí, hubo varios singles exitosos, tales como: When It's Love, Finish What Ya Started, Feels So Good, Cabo Wabo, etc.
Después de dos años de giras y uno de trabajo, salió al mercado For Unlawful Carnal Knowledge, más conocido como F.U.C.K., que fue el punto más alto de la popularidad de Van Halen. Hubo un trabajo promocional de este disco tan grande que llegaron hasta Japón, Holanda y Argentina, entre otros países más extraños aún. Fue tan bueno el material que se obtuvo durante esas giras, que se grabó un disco en vivo llamado: Van Halen LIVE: Right here, Right Now. En él se encuentra casi todo el disco F.U.C.K, éxitos de discos anteriores, un solo de cada un de los miembros de la banda y tres canciones inéditas: One Way To Rock, Give To Live (Sammy Solo) y Won't Get Fooled Again.
Después de estos años de gira, en 1995 salió Balance. En este disco se encuentran los éxitos: Can't Stop Lovin' You, Don't Tell Me (What love Can Do), Not Enough, etc. Después, Eddie tuvo problemas con el alcohol y Sammy generó un a polémica por la canción Amsterdam, que hace mención que allá las drogas son legales. Eddie y Sammy generaron una polémica, cuando Ed, mencionó la idea de hacer una recopilación de los grandes éxitos de la banda.
Eddie Van Halen es considerado uno de los mayores virtuosos de la guitarra en la historia del rock, A él se le debe el desarrollo y popularización de la técnica del tapping, tan utilizada ahora por guitarristas de todos los estilos.

Guitarras

Eddie utiliza guitarras de muchas marcas distintas como Gibson, Fender, Kramer o Steinberger, aunque es un gran fanático de la personalización de sus guitarras. En los últimos años utilizó es un modelo que Peavey fabricaba para él (la famosa Peavey Wolfgang), hasta que en 2005 se cambio a la marca Charvel, que imita sus guitarras de los años 80. Además, contribuyó enormemente al desarrollo del sistema Floyd Rose para la afinación de la guitarra, e incluso patentó su propio dispositivo llamado “D-tuner”, que permite desafinar la 6ta cuerda de la guitarra (E) a D y viceversa en un solo movimiento.

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Adrian Smith (Adrian Frederik Smith, nacido el 27 de febrero de 1957 en Hackney, Londres, Inglaterra) es uno de los tres guitarristas en la banda británica de heavy metal Iron Maiden

Mientras estaba en el colegio, Adrian trabó amistad con Dave Murray, y se unió a la banda de Dave Urchin como vocalista principal. Durante este tiempo, Adrian consiguió su primera guitarra al comprar una de Murray. Dave dejó "Urchin" para unirse al grupo de otro amigo, Steve Harris con Iron Maiden. Smith continuó al frente de "Urchin" hasta que se unió a Maiden en los últimos meses de 1979 para el álbum Iron Maiden (que saldría en 1980), reemplazando a Dennis Stratton. Las primeras canciones de Smith compuestas para Maiden aparecen en el álbum de 1982 The Number of the Beast, y se convertiría en el segundo compositor de la banda a partir de entonces. El sonido de ambas guitarras principales de Adrian Smith y Dave Murray ayudó a forjar el sonido característico de Iron Maiden hasta su abandono en 1990. La probable marcha de Adrian pudo ser causada porque no le gustaba la dirección que estaba tomando la banda: después del álbum experimental Somewhere in Time y Seventh Son of a Seventh Son, Steve Harris decidió retomar una vía de heavy metal más tradicional, más semejante a sus primeros discos; por esta disparidad de criterios Smith pudo haberse marchado.

Adrian salió de Iron Maiden y sacó un LP en solitario con el nombre de ASAP (Adrian Smith and Project) titulado Silver and Gold en 1989. Más adelante tocó la guitarra en varios proyectos en solitario de Bruce Dickinson, que también dejó Maiden en 1994. En 1999 Adrian volvió a Iron Maiden para la gira "Ed Hunter" que promocionaba un videojuego del mismo nombre basado en la mascota de Iron Maiden Eddie. Antes de unirse a dicha gira, Adrian hizo prometer a Steve Harris que con su vuelta no le quitaría el sitio a Janick Gers (que había entrado para sustituirlo). Steve Harris aceptó y por eso las dos guitarras que tuvo en todos sus álbumes Iron Maiden se convirtieron en tres a partir del disco Brave New World.

Adrian todavía permanece en Iron Maiden desde entonces.

Discográfia con Iron Maiden

• Killers (1981)
• The Number of the Beast (1982)
• Piece of Mind (1983)
• Powerslave (1984)
• Live After Death (1985)
• Somewhere in Time (1986)
• Seventh Son of a Seventh Son (1988)
• Brave New World (2000)
• Rock in Rio (2001)
• Dance of Death (2003)
• Death on the Road (2005)
• A Matter of Life and Death (2006)

 

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